Música e ossos

"Na Rússia, após a Segunda Guerra Mundial, Stalin proibiu a posse de qualquer música ocidental. Todos os registros permitidos no país tinham que ser de compositores russos. Mas havia um Underground com fome de música popular ocidental, desde Jazz e Blues até Rock & Roll. Mas o contrabando de vinis era perigoso, e comprar o material escasso para fazer cópias desses discos que chegavam ao país era caro e muito arriscado.

Uma solução engenhosa para este problema começou a surgir sob a forma de ′′música de ossos", ou por vezes chamada de música de ′′bones 'n' ribs", ou simplesmente Ribs.

Um jovem engenheiro de som de 19 anos, Ruslan Bogoslowski, de Leninegrado, mudou as regras do jogo quando criou um dispositivo para hackear álbuns ocidentais para poder distribuí-los por toda a Rússia. O problema era conseguir encontrar material para copiar suas impressões, o vinil era escasso assim como todos os produtos petrolíferos depois da guerra. Então um dia ele encontrou uma pilha de radiografias descartadas e se pos a trabalhar! Na época, a lei russa ordenou que todos os raio-X tivessem que ser destruídos após 1 ano de armazenamento porque eram inflamáveis, então ele procurou nos contentores de lixo e pagou aos enfermeiros pelas placas de raio-X e durante 20 anos fez cerca de 1,000,000 (1 milhão) de cópias de contrabando em placas de raio-X, desde o clássico até os Beach Boys.

Durante mais de 20 anos, Bone Music foi a única maneira de os amantes da música russa conseguirem música ocidental, que tocavam em ′′festas com músicas e cafés′′, longe dos ouvidos e olhos da KGB.

Esta é uma gravação de 78 rpm da música indiana ′′ Awaara ′′ de Raj Kapoor em uma radiografia de tórax exposta. Cada disco era feito à mão e era único.

Música de ossos. Um testemunho da coragem clandestina para subverter a autoridade, a rebelião e o amor pela música.

O espírito do Rock & Roll."

Agradecimentos à Marcello Maldonado

O disco de vinil está caro? Uma análise sobre o mercado brasileiro.

Os discos de vinil hoje representam um encontro de gerações. Muitas delas. Vovôs e vovós que escutavam Roberto Carlos nos Gradientes, papais e mamães que descabelaram ao som da Tropicália, quarentões que sabem as letras do Balão Mágico de cor e não esquecem o impacto do Nevermind, adolescentes que tiveram ou não contato com os LPs na infância e que hoje se ligam no melhor formato seja lá qual for o motivo. Todas as pessoas que compõem esses perfis têm histórias de apreço e ideias diferentes sobre o preço do disco.

É consenso que o valor praticado no mercado de usados subiu vertiginosamente nos últimos anos. Para exemplificar, vamos observar a realidade de alguns discos brasileiros. Os clássicos de Belchior, Jorge Ben e Caetano Veloso que eram encontrados por até R$ 30,00 há alguns anos, hoje beiram a casa dos R$ 150,00. Discos do Tim Maia, Jorge Mautner e Tom Zé, quando aparecem, somem em questão de minutos. Álbuns de altíssima tiragem como Cabeça Dinossauro dos Titãs, Revoluções por Minuto do RPM e Novo Aeon de Raul Seixas começam a ganhar status de raridade. Os LP’s de Cartola, Walter Franco e Racionais MC’s não saem por menos de R$ 200,00. Ufa!

POPULAR OU INACESSÍVEL

Para falar em preço de disco e entender um pouco como chegamos até aqui, vamos voltar no tempo e observar fatores que influenciam a precificação. A grande totalidade dos discos que circulam no mercado de usado hoje foi produzida nas décadas de 70 e 80, época em que o disco de vinil era uma mídia sem concorrentes. Ao analisarmos o preço nesse período a pergunta que queremos responder é: no auge das vendas, o vinil era um produto para as massas? Vale lembrar que, no final dos anos 70 e início dos 80 os vinis eram um puta presente de aniversário. Quem dava um disco de presente ou tinha muita consideração pelo aniversariante ou estava cheio de intenções.

Para ter uma boa ideia de quanto custava um vinil em meados dos anos 70, vamos pegar o anúncio de revista de um disco-fascículo que todo bom colecionador tem ao menos uma edição em casa: a Nova História da Música Popular Brasileira. Por ser um produto vendido em banca de revista, podemos supor que o público-alvo era amplo. A edição número 2 da coleção, dedicada a Dorival Caymmi, era vendida por Cr$ 40,00 em outubro de 1976. Como comparativo vamos usar o preço de capa da mesma revista do anúncio que era vendida por Cr$ 12,00. Hoje uma revista em banca custa em média R$ 20,00, o que nos levar a um valor arredondado de R$ 66,67 para o disco se fosse vendido hoje.

Naturalmente, o poder aquisitivo oscilou ao longo dos anos, mas a conta é coerente para os dias atuais. Se considerarmos que, o salário mínimo em 1976 era de Cr$ 768,00, um assalariado desembolsaria 5,2% do salário para comprar o fascículo do Dorival Caymmi. Hoje, em fevereiro de 2021, esse percentual seria em torno de 6%, considerando o salário mínimo atual de R$ 1.100,00.

ASCENSÃO E QUEDA DO COMPACT DISC

O preço do disco de vinil só veio a despencar mesmo com a chegada do CD no mercado nacional em 1987. Rapidamente o novo formato foi ganhando mercado e em 1997 decretou-se o fim do comércio de LPs no Brasil. Dessa época, temos lembranças memoráveis de colecionadores se desfazendo de coleções inteiras de vinil para comprar um CD player e substituir os discos pela mídia laser. No centro das capitais víamos lotes inteiros de discos amontoados nas esquinas sendo vendidos a preços simbólicos de até R$ 3,00. Já nos anos 90, justamente durante essa transição, muitas obras foram lançadas em ambos os formatos com uma tiragem muito menor para os LPs. Isso justifica os vinis dessa época serem mais raros e, como consequência, mais valorizados.

Sabemos que o CD também teve seus vilões. Primeiro surgiram os aparelhos duplicadores, uma tecnologia impensável, mas muito desejada na era do vinil, quando os discos eram copiados no máximo em fitas cassete (K7). Os CDs podiam agora ser copiados e sem perda de qualidade! Não demorou muito até os computadores virem de fábrica com uma unidade que convertia um CD para arquivos MP3. Estamos falando do início dos anos 2000 quando, inclusive, se popularizaram as locadoras de CD por motivos óbvios. Nessa época, não se falava em disco de vinil. Algumas lojas de discos ainda mantinham algum acervo empoeirado, mas que perderam lugar para paredes forradas de CDs produzidos na Zona Franca de Manaus. Quem ainda curtia vinil ficou na mão porque não era possível achar sequer acessórios para os toca-discos, como cápsulas e agulhas.

O VINIL VIRA O JOGO

Foi quando, em meados de 2008, deu-se início ao hype do vinil desencadeado por jovens que enalteciam artigos vintage, pregavam a volta de tudo que fosse analógico e se entregavam às aventuras do colecionismo. Quem havia estacionado ou desfeito de sua coleção de 12” começou a olhar com desconfiança para aquela moderna coleção de CDs com capas de acrílico faltando a orelhinha. Quem já tinha se rendido ao MP3, por mais organizado que fosse, não achava mais prazer em “fruir” todo aquele acervo interminável de discografias completas baixadas no feriado. A partir daí, o disco de vinil voltou a ser ressignificado e começou então a primeira corrida do ouro. Quem se ligou no movimento e saiu na frente conseguiu recuperar o acervo perdido, encontrou novas pérolas e fez isso por um valor muito acessível.

Com o mercado superaquecido, começaram a aparecer sinais claros da reação do mercado: os discos raros começaram a sumir da praça, os discos bons ficaram caros, os discos comuns ganharam status de colecionáveis, feiras de vinil apareceram no Brasil inteiro e acabaram de vez as bancas de discos de 5 "dinheiros". Lei da oferta e da procura!

NOVOS TEMPOS, NOVAS ESTRATÉGIAS

Paralelamente ao mercado de usados, as fábricas voltaram à ativa. A Polysom, guerreira e pioneira, retomou a produção em 2009 e, ao mesmo tempo que freava o ágil de determinado título, inevitavelmente lançava holofotes sobre os clássicos. Os discos da Polysom hoje variam entre R$ 90,00 e R$ 150,00, mas edições especiais podem chegar nas mãos do consumidor final por até R$ 400,00. Mais adiante, outras fábricas surgiram, como a Vinil Brasil, e outros tantos selos, que prensavam discos até fora do país, ainda conseguiam comercializar seus produtos por um preço acessível.

Nem o lançamento do Deezer em 2013 e do Spotify em 2014 foram um empecilho para a guinada no comércio de discos físicos. Nesse mesmo ano apareceu a modalidade de clube por assinatura onde o assinante recebe mensalmente um disco novinho no conforto do lar. Para efeitos comparativos, o Noize Record Club na modalidade mensal custa R$ 75,00 e dá direito a uma edição caprichada com livreto exclusivo sobre o disco da vez.

A VOLTA DOS QUE NÃO FORAM

Quando a partir de 2010 entendeu-se que o vinil havia efetivamente "voltado", as lojas de discos que sobreviveram ganharam sobrevida, acervos foram desenterrados e novos fenômenos surgiram: colecionadores que sequer tinham toca-discos, vendedores de discos autônomos, discos novamente embrulhados para presente, DJs europeus visitando o Brasil à caça de raridades, herdeiros de acervos imaginando estar em posse de uma fortuna... sem falar nas inúmeras fake news e outras tantas arbitrariedades que invadiram o meio. Todos movimentos legítimos e naturais de um mercado em ascensão, mas que, de uma forma ou de outra, influenciaram no preço dos discos.

Não podemos esquecer ainda que outro ator contribuiu de forma direta para que os preços fugissem ao controle: os vendedores de marketplace, em especial, do Mercado Livre. Essa terra de ninguém virou vitrine para anúncios que beiravam a loucura e, de oferta em oferta, o mercado foi se acostumando e se convencendo de que era lucrativo vender assim, já que, mais cedo ou mais tarde, algum desavisado comprava o disco. Mais adiante a turma de colecionadores foi migrando para as redes sociais e estabelecendo comércio direto e hoje temos um sem número de grupos de classificados de discos muito ativos, onde pode-se encontrar de tudo um pouco.

O QUE PODEMOS ESPERAR PRO FUTURO

Hoje em dia colhe-se, para bem e para mal, os frutos desse efeito cascata. Os discos sempre foram caros, difíceis de adquirir, mas não tanto quanto agora. Felizmente, o mercado de discos usados tem se mostrado dinâmico e se reinventa a cada ano. Outra certeza é que, os discos, por mais raros que sejam, estão sempre trocando de mãos. Nós, entusiastas, torcemos para que a cada dia o formato fique mais popular e mais acessível. Também para discos usados e importados, mas, especialmente, para discos novos e lançamentos fabricados internamente, cujo impostos quase inviabilizam o negócio para fábricas, artistas e compradores.

Se você é colecionador, lojista, comerciante independente, ou profissional do ramo, visite lojas físicas, participe dos grupos na internet e fique ligado no blog Phono Brasil. Jogar-se no garimpo ainda é a forma mais eficiente de encontrar o ouro. Bons negócios!

  

Blog Fonte 

Hello crazy people!

Em 7 de março de 1977 morria Big Boy, um dos maiores comunicadores do Brasil. Veja a carta enviada por Manoel Carlos para a viúva:

Viva o Nordeste!

 Se estivesse vivo, José Domingos de Morais completaria 80 anos nesse 12 de fevereiro. Nascido em 1942, esse filho de um arrumador de sanfonas, tocava triângulo com seus irmãos nas feiras da região para arrecadar algum trocado com o trio "Os Três Pinguins", grupo que apresentava-se em feiras e portas de hotéis de Garanhuns. Numa dessas exibições (1949), Luiz Gonzaga, hospedado no hotel Tavares Correia (Garanhuns), observou com atenção a demonstração do grupo. José Domingos acabou recebendo uma promessa de receber uma sanfona nova, caso estudasse e fosse pro Rio de Janeiro com o rei do baião.

No ano de 1954, junto com seu Chicão, seu pai, e um dos irmãos e já com o apelido de Neném, migra para o Rio. Depois de 11 dias de pau-de-arara, faz morada no subúrbio de Nilópolis, onde aprende a tocar chorinho nas casas noturnas. Lembrando da promessa antiga, foi atrás de Luiz Gonzaga, que morava no Méier, bairro da zona norte do Rio de Janeiro. Neném ganhou de presente uma sanfona de 80 baixos e a confiança do rei, quando passou a frequentar a casa, os shows, os ensaios e as gravações de Gonzaga. Nessa levada, além registrar sua primeira música num disco, tocando "Moça de feira", em álbum de Luiz Gonzaga, de quebra, ganhou a mudança do apelido "Neném" para Dominguinhos, nome que o tornaria conhecido no Brasil e no mundo.

Sem demoras, Dominguinhos casou aos 17 anos com Janete. Da primeira esposa, nascem Madeleine e Mauro. Pouco tempo depois, forma o primeiro Trio Nordestino com Zito Borborema e Miudinho, onde ficou entre 1957 a 1958. Com as noites, contatos e estudos, ele busca inspiração para a sua arte nas gafieiras, sambas, cumbias e boleros. Um grande artista de temática nordestina da época, Pedro Sertanejo, vendo o diferencial do sanfoneiro, chama Domingos para tocar na Gravadora Cantagalo, buscando gravar algo diferente. Em 1964, lança seu primeiro disco: ''Fim de Festa''.

Quando deixou os boleros sanfonados, Luiz Gonzaga recruta Dominguinhos para acompanhá-lo nos shows. Não só como músico, Motorista reserva também. E, graças a essas excursões, entra em contato com a cantora Anastácia, que viria a ser esposa e importante parceria. No ano de 1973, Gilberto Gil faz sucesso com "Eu só quero um xodó". A música escrita por Dominguinhos se torna um marco e tornou-se uma das mais regravadas da MPB. No consagrado Festival da TV Tupi de 1979, Dominguinhos conquista o troféu com a música ''Quem me levará sou eu'', também de sua autoria. Era o início de uma década bastante especial em sua carreira.

Escute Gil cantando: https://www.youtube.com/watch?v=AzCgA-a3sUo.

A ressurreição oitentista do rei do Baião, que tivera seus anos 70 embebidos no esquecimento por parte da imprensa sulista, agora usufruía de um respeito crescente em todo o país. O crescer da música e artistas de cunho regional, somado com discos importantes para a MPB, ajudou Gonzagão no seu resgate. Dominguinhos, com ajuda nos arranjos e sempre presente naquela Scandalli preta, teve a mão naquele novo vento, que seria o sopro na última década de vida do rei. As gravações e parcerias com artistas de ponta, renome e prestígio, fizeram a música regional novamente sair do marasmo, ocasionado pela explosão 'dance music'. O Nordeste novamente reerguia seus gigantes.

"Olha que isso aqui ta bom demais" (1985) e "Gostoso demais" (1986) são os maiores exemplos da urbanização do Forró (no seu bom sentido). Dominguinhos fazia como ninguém a mescla de guitarras, saxofones e baterias com zabumbas e triângulos, cantados por vozes como Chico Buarque.

Após a morte de Luiz Gonzaga (1989), o cetro do baião passa para a mão de pupilo. Um novo forró por ele difundido vira febre (forró inteligente e moderno, bem diferente dos caça-níqueis atuais). Em 1999, nas homenagens aos dez anos da morte de Gonzaga, gravou um disco "Você vai ver o que é bom". Nesse trabalho, uma música inédita de Zé Dantas (parceiro de Gonzaga nos anos 50 e 60) e brilhantemente interpretada, é mais uma maravilhosa surpresa. O trabalho foi indicado ao Grammy.

Nos anos 2000, o menino de Garanhuns vive um tempo de louvação, premiações e homenagens das novas gerações. Mais ativo do que nunca, grava inúmeros discos, participações e shows. Ganha um Grammy em 2002 pelo disco "Chegando de mansinho", e outro em 2010, por ''Iluminado''. No centenário de Luiz, teve ainda forças para participar dos festejos, embora fragilizado pelo câncer no pulmão. Isso não lhe impediu de saudar – heroicamente – aquele que fora seu mestre. No final do 2012, em Recife, foi internado em estado gravíssimo. Em janeiro de 2013, foi levado para São Paulo, a pedido de familiares. Infelizmente, ele se foi às 18hs de uma terça-feira, 23 de julho de 2013, no Hospital Sírio-Libanês.

Com o sanfoneiro do Rio da Brígida, aquele menino aprendeu a lapidar o que a natureza nordestina tinha de melhor. Aquele jovem de sorriso fácil estudou seu piano de joelho, aprendeu a sanfonar um jazz, aquele choro ou uma emergente bossa nova. O que lhe caía nas mãos e na mente, ele mandava ver. Fora dele, aquele diferencial: Um dos poucos sanfoneiros que fazia Gonzaga suar, naqueles antológicos duelos de sanfona pelos palcos da vida. Simples e humilde, o sanfoneiro tocou com os maiores nomes da música brasileira. Consagrado em todo o mundo, nunca deixou de fazer shows em lugares populares ou pequenas casas de reboco. Afinal, como sempre dizia: Gostoso era estar com os amigos e ver o povo dançar.

Por que a maior de todas as bandas teve um final tão mesquinho?

Artigo de CARLOS MARCOS - Publicado em 11/Abr/2020 no EL PAIS

Um tabloide que força umas palavras de Paul McCartney e dois amigos

 que acabam ligando o ventilador dos ódios.

 Um ocaso sombrio para um grupo que encheu o mundo de felicidade.

Usaram Ringo. Era o procedimento habitual. O baterista exercia o papel de leva-e-traz ideal, um sujeito simpático e bondoso que podia suavizar a mensagem e ser o mensageiro das más notícias para Paul McCartney. Quem a enviava eram, claro, John Lennon e George Harrison. Assim que mais uma vez o bom Ringo Starr se apresentou na casa de McCartney. “Eeer, hmmm, é que John, George e eu decidimos que você não pode lançar seu disco solo em abril. Aqui está o que foi escrito.” McCartney vociferou, insultou, ergueu o dedo para Ringo, atirou seu casaco nele e o empurrou para fora. Era março de 1970. Um mês depois o maior grupo da história do rock se dissolveu. Foi um final engraçado. Final? Não houve uma entrevista coletiva para anunciá-lo. Só mensagens nas entrelinhas, uma manipulação jornalística e o ventilador dos ódios pulverizando a munição. Um episódio confuso, o amargo final de uma década em que eles fizeram o mundo ser mais feliz. E aconteceu há exatamente meio século.

“Eles oficialmente nunca se separaram. Não houve nenhum comunicado. É por isso que muita gente durante os anos setenta esperava que voltassem a gravar”, conta por telefone, na reclusão de sua casa londrina, o escritor Philip Norman (Londres, 76 anos), uma das pessoas que mais entendem da banda de Liverpool, com meia dúzia de livros lançados, incluindo John Lennon – A Vida e Paul McCartney – A Biografia (Companhia das Letras).

O conflito naquele março de 1970 era o seguinte: Paul McCartney se propunha a lançar seu primeiro disco solo, McCartney, em abril, pelo selo do quarteto, a Apple Records. O entrave era que Let It Be chegaria às lojas em maio, também pela Apple Records. Alguém observou, não sem razão, que aquela concorrência era absurda. Solução: que Paul adiasse seu álbum.

A relação entre os quatro era muito tóxica naquela época. A elaboração de Abbey Road (último álbum gravado pela banda, pois Let It Be, embora sido lançado depois, tinha sido registrado antes) levou ao limite a capacidade psicológica dos quatro. Todos se desafogaram nas canções. Harrison aproveitou a guerra entre Lennon e McCartney para colocar em Abbey Road duas de suas melhores composições, Something e Here Comes the Sun; Ringo Starr emplacou Octopus’s Garden, uma metáfora aquática que revelava o que sentia com os Beatles: “Eu queria estar debaixo d’água”; e Paul McCartney dedicava You Never Gime Your Money (“você nunca me dá seu dinheiro”) à sua besta-fera, Allen Klein.

É preciso dedicar um espaço nesta história a Klein, um sujeito nebuloso, que saneava empresas cortando as cabeças necessárias. Foi recomendado aos Beatles por Mick Jagger (outro cérebro da contabilidade) quando os buracos na tesouraria da Apple eram profundos. McCartney se negou a aceitá-lo: sabia de sua falta de escrúpulos e da sua exigência de ficar com 20% dos lucros da banda de Liverpool. Paul preferia que a parte burocrática ficasse a cargo do seu sogro, o advogado Lee Eastman, pai de sua mulher, Linda. Lennon era o principal defensor de Klein, enquanto Harrison e Starr também deram seu ok. O filme podia se chamar Todos Contra Paul.

A fúria de McCartney tomou conta de tudo. Ele ligou para os principais escritórios da Apple, para empresários do setor musical, para jornalistas, para gente influente… Até que, outra vez, Ringo, o baterista bonachão, convenceu os demais a deixarem o colega lançar seu primeiro disco solo antes de Let It Be. E chegou a vingança de Paul. Os primeiros exemplares de McCartney incluíam uma estranha entrevista (ou autoentrevista) onde o artista narrava as motivações para gravar fora da banda. Esquadrinhadas as entrelinhas e conhecendo aquele ecossistema poluído, tudo ficava claro, mas não existia uma mensagem concreta sobre o grande tema. A entrevista consta de 20 perguntas, mas as chaves são estas três:

P: Este álbum é uma separação dos Beatles ou o início de uma carreira solo?

R: O tempo dirá. Que seja um disco solo significa que é o início de uma carreira solo, e que não o tenha feito com os Beatles significa que é um descanso.

P: Esta separação dos Beatles é temporária ou permanente, e se deve a diferenças pessoais ou musicais?

R: A diferenças pessoais, empresariais e musicais, mas acima de tudo a que me divirto mais com minha família [Linda Eastman, mulher de Paul, era a única pessoa que participava do disco; McCartney o tocou inteiro]. Temporário ou permanente? Na verdade, não sei.

P: Preveem em algum momento no futuro que Lennon e McCartney componham juntos?

R: Não.

Não parecem opiniões animadoras para os fãs do quarteto, mas se diz em algum momento que os Beatles se separaram? Não claramente. “Na verdade, não sei”, deixa escapar McCartney. Os primeiros exemplares do disco, com a paródia de entrevista, foram distribuídos à mídia em 10 de abril. E aqui entra o tabloide Daily Mirror. Um jornalista desse jornal obteve um exemplar da entrevista na véspera, 9 de abril. Na manhã do dia 10, uma tiragem espetacular inundava os quiosques com uma manchete de página inteira: “Paul McCartney deixa os Beatles”. Deduz-se isso da famosa entrevista? Sim, mas não. Tanto fazia. O silêncio do resto do grupo, de Allen Klein e de outros envolvidos dava um caráter oficial a esse título. Ao final, um jornal sensacionalista anunciou o adeus do grupo.

A artilharia mais nociva ainda estava por aparecer. John Lennon ficou furioso. Foi ele quem, em 20 de setembro de 1969, numa reunião nos escritórios da Apple, tinha manifestado seu desejo de deixar os Beatles. Mas decidiram que não anunciasse isso publicamente, já que havia projetos em andamento, como Let It Be. “Foi John quem se cansou antes de ser um beatle. E procurou uma saída. Mas não encontrou o caminho até que conheceu Yoko Ono. Foi ela a pessoa que lhe disse: ‘Você não precisa estar na banda se não gostar'. Isso aconteceu em 1967. Então foi uma despedida muito lenta”, conta Philip Norman.

Lennon era já o terceiro beatle a ter sugerido que queria ir embora. O primeiro foi Ringo Starr (que de fato saiu), depois Harrison e, no ocaso do grupo, Lennon. Paul não tinha aberto a boca. “No final da sua carreira os Beatles se sentiam como numa prisão. Decidiram não fazer shows porque não se escutavam os instrumentos, apagados pelos gritos das pessoas. Afastarem-se dos holofotes porque não suportavam mais a pressão. E criaram seu próprio mundo. Os quatro sempre estavam juntos. Quando se davam bem não havia problema, mas quando aumentaram as tensões era uma tragédia. Quem tentou manter o grupo com vida sempre foi Paul. Ele estava consciente de que se não continuasse empurrado a carroça seria o final”, conta Norman.

Aquela autoentrevista de McCartney provocou a ira de seu colega. Lennon ligou para seu jornalista de cabeceira, Ray Connelly, para lhe passar algumas declarações: “Ele está se atribuindo o mérito de romper o grupo, sendo que eu tinha dito isso em setembro”, cutucou. “Havia algo de mesquinho na relação entre o Paul e John. Mas essa competitividade era parte do que os fez serem tão brilhantes juntos: desafiando-se para conseguirem feitos artísticos maiúsculos. O amor os manteve unidos por muito tempo, mas a pressão da fama chegou a um ponto que os fez se comportarem de maneira lamentável, sobretudo no final”, diz, do seu confinamento em Nova York, o escritor Peter Ames Carlin (Nova York, 56 anos), autor de Paul McCartney – Uma Vida (Nova Fronteira).

Na guerra Paul/John, a imprensa e a maioria dos fãs se posicionaram pelo segundo. Enquanto McCartney se deprimia pelas críticas ruins ao seu disco de estreia, Lennon se encontrava com jornalistas influentes, tratava-os com inusitada amabilidade para ser uma estrela arrogante e lhes contava que o Judas se chamava Paul. Acreditaram nele. Os dois amigos punham fim à sua relação. John se apaixonou por Yoko, e Paul por Linda, ambos usaram suas parceiras como substitutas do outro.

O seguinte movimento de McCartney deteriorou ainda mais sua imagem. Ele não podia admitir que 20% de seus lucros fossem para os bolsos de Allen Klein. E abriu uma ação judicial contra os Beatles. Paul se defendeu, embora revirasse roupa suja muito íntima. “Paul chegou a dizer que Klein tinha tentado se congraçar com ele difamando John, e sobretudo Yoko, quando o casal não estava presente”, diz Carlin. Anos mais tarde a Justiça deu a razão a McCartney, e os Beatles (os quatro, não só Paul) recuperaram a percentagem de Klein.

Durante os meses seguintes, a guerra recrudesceu. Paul dedicou a John algumas mensagens nada elogiosas em seu disco seguinte, Ram (1971). Agiu de forma sutil. Lennon, entretanto, escreveu canções como How Do You Sleep (de Imagine, 1971) com ódio e sem máscara, com frases como estas: “A única coisa que você fez foi Yesterday” e “o erro que você cometeu estava na sua cabeça”. “É triste que uma banda tão alegre tivesse um final tão doloroso. Projetaram tanta luz no mundo que se passa por cima da escuridão que os cercava no final. A onda de amor que emitiram teve uma ressaca: as pressões da fama e o lado sombrio da adoração que seus admiradores sentiam por eles”, reflete Carlin.

Em 1970, seis discos de membros dos Beatles foram lançados: os já citados Let It Be e McCartney, dois álbuns-solo de Ringo Starr (Sentimental Journey e Beaucoups of Blues), um de John Lennon (John Lennon/Plastic Ono Band) e um (triplo) de George Harrison (All Things Must Pass). Neles há material suficientemente bom para superar a discografia inteira de bandas muito consideradas hoje em dia.

Gonzagadas

Luiz Gonzaga morava no Catete, um bairro do Rio, quando começou a relação com Odaléia Guedes dos Santos, cantora do Dancing Brasil. Tal namoro não coube no espaço minúsculo onde o rei do baião morava. Era necessária uma mudança para um local mais amplo. Luiz acabou arrumando um apartamento no porão de um prédio no bairro do Estácio. Nesse lugar, em 22 de setembro de 1945. nascia uma das mentes mais magníficas da Música Popular Brasileira: Luiz Gonzaga do Nascimento Júnior.

Em 1946, com o falecimento de "Léia" - causado pela tuberculose - e seguidas viagens e turnês de Luiz pelo Brasil, a criação do pequeno Gonzaga Júnior ficou a cargo dos padrinhos Xavier Pinheiro e Dina. O apoio financeiro do pai famoso ajudou nos cuidados, apesar das pesares. No entanto, a distância e contato entre pai e filho eram raros. O menino foi crescendo no Morro de São Carlos, já demonstrando dotes musicais. Com quatorze anos, escreveu "Lembranças da Primavera", que foi gravada por Luiz Gonzaga no disco ''A triste partida'', de 1964.

Com 16 anos, voltou a morar com Gonzagão. Xavier e Dina não podiam dar um estudo de qualidade ao filho do rei do baião, apesar de todo o esforço. No bairro de Cocotá, Ilha do Governador, pai e filho mostravam seus temperamentos fortes em discussões, sobretudo, quando Gonzaguinha esquecia as horas no quarto estudando Economia ou passava da hora do almoço. A confusão era certa.

Gonzaguinha foi graduado em Economia pela Universidade Cândido Mendes, colocou ''o anel de doutor'', como queria Luiz, embora nunca tenha exercido a profissão. Na casa do psiquiatra Aluízio Porto Carrero, inaugurou uma amizade bastante interessante com Ivan Lins. Conheceu a primeira mulher, Ângela, com quem teve dois filhos, Daniel e Fernanda. Com a atriz Sandra Pêra, nasceu Amora Pêra. A convivência na casa do psiquiatra rendeu a fundação do Movimento Artístico Universitário (MAU) com Ivan Lins, Aldir Blanc, Márcio Proença, entre outros, que teve um importante papel na música popular nos anos 70, resultando em um belo especial na TV Globo (quando essa emissora parecia ter algum vínculo com a cultura musical desse país).

Com sua postura crítica à ditadura militar no Brasil, Gonzaguinha teve 54 músicas proibidas das 72 que escrevera no período, incluindo seu primeiro sucesso, "Comportamento Geral".

Iniciando a carreira como artista, suas apresentações eram nada agradáveis aos olhos da imprensa e mídia, que lhe deram o apelido de "cantor-rancor", por conta das suas letras pesadas e ásperas como "Página 13", "Vamos à luta" ou "Erva rasteira", também gravada por Gonzagão em 1968. Com os ventos das mudanças políticas no agonizante e falido regime militar, a alcunha de rancor foi mudando. A esperança foi adentrando nas letras inspiradoras do ''moleque''. O começo dos debates sobre a abertura política na segunda metade da década de 1970 deu um tom mais lírico às suas canções, como "Começaria tudo outra vez", "Explode coração", "Grito de alerta", e temas de samba-enredo, como "Nem o pobre nem o rei", "O que é o que é" e ''Com a perna no mundo''. Era um Gonzaguinha esperançoso por dias melhores.

Em 1975, tornou-se um artista independente, dispensando os empresários:

- Achei que devia retomar toda uma espontaneidade em termos de apresentação, de estar no palco como se estivesse em qualquer outro lugar.

Em 1986, funda o selo ''Moleque'', pelo qual chegou a gravar dois trabalhos: "Corações Marginais" (1988) e "Luizinho de Gonzagão" (1990).

Nos últimos doze anos de vida, Gonzaguinha viveu em Belo Horizonte com a segunda mulher Louise Margarete Martins (Lelete) e a filha Mariana. Com a vida mais calma, com passeios de bicicleta na lagoa da Pampulha, marcava um período mais introspectivo de sua carreira. O músico dedicava-se a pesquisar novos sons entre as demoradas turnês de shows e longos períodos em casa.

Falando em shows, uma das suas turnês mais importantes foi ''Vida de Viajante'', durante o ano de 1981, ao lado do pai Luiz Gonzaga. Não era apenas uma apresentação de dois artistas intocáveis na história da música. A apresentação ''Vida de Viajante'' selava a paz, entendimento e o reencontro de pai e filho e fazia o Brasil do baião e do sertão sair de braços dados com o Brasil urbano. Um marco na MPB.

Infelizmente, após um show na cidade de Pato Branco/Paraná, Gonzaguinha foi vítima de um acidente automobilístico com seu Monza, quando dirigia entre as cidades de Renascença e Marmeleiro, rumo à Foz do Iguaçu. Era uma manhã de 29 de abril de 1991. Tinha apenas 45 anos.

Gonzaguinha era um poeta contemporâneo de sentimento raro. Abordava a alma feminina de uma forma completa. Através da palavra, desnudava o universo da mulher. Ele tinha a sensibilidade à flor da pele ao falar do suor masculino na explosão do seu noturno clímax. Ao violão, sua posição política era a liberdade. A música brasileira aplaudia um compositor de apelo popular, precisão e coragem.

Viva os 75 anos do eterno aprendiz.

Fonte: Renildo Carlos

14/Mar/2020 - ClimaQuente e ClubedoVinyl