quarta-feira, 3 de agosto de 2016
segunda-feira, 1 de agosto de 2016
Sir John
Elton John é, definitivamente, um artistas forjado nas energias cósmicas musicais mais incríveis do universo. Só assim para explicar as mais de cinco décadas de sucesso do maior artista solo da história da música, de acordo com a Billboard, em 2008.
Nascido Reginald Kenneth Dwight em 25 de março de 1947, em Londres, Elton John (nome artístico proveniente da junção de Elton Dean e Long John Baldry, saxofonista e líder, respectivamente, da antiga banda dele, a Bluesology) começou a tocar piano aos três anos de idade. Aos onze, ganhou uma bolsa para estudar na renomada Royal Academy of Music. O talento foi sendo lapidado e Elton John pulou para o estrelato mundial.
É difícil falar da carreira de sucesso de Elton John. São mais de 450 milhões de discos vendidos mundialmente, 35 discos de ouro e 25 de platina, além do single mais vendido da história, Candle in the Wind, que homenageou a Princesa Diana, amiga próxima do músico, e do Oscar pela trilha sonora de O Rei Leão, em 1994. Músicas como Your Song, Rocket Man, Sacrifice, Nikita, entre outros, ainda embalam muitos fãs do cantor pelo mundo.
A obra de Sir Elton John é vasta e cheia de clássicos. Quer conhecer mais? Na Vinil Records você encontra alguns dos melhores discos de um dos maiores músicos da história!
O lado escuro da Lua
Créditos: Rafael Lima/VinilRecords
The Dark Side of the Moon é o oitavo álbum de estúdio da banda britânica de rock progressivo Pink Floyd, lançado em 1 de março de 1973. O disco marca uma nova fase no som da banda, com letras mais pessoais e instrumentais menores, contendo alguns dos mais complicados usos dos instrumentos e efeitos sonoros existentes na época, incluindo o som de alguém correndo à volta de um microfone e a gravação de múltiplos relógios a tocar ao mesmo tempo.
Os temas explorados na obra são variados e pessoais, incluindo cobiça, doença mental e envelhecimento, inspirados principalmente pela saída de Syd Barrett, integrante que deixou o grupo em 1968 depois que sua saúde mental se deteriorou. O conceito básico do disco foi desenvolvido quando a banda estava em turnê, e muito do novo material foi apresentado ao vivo, muito antes de ser gravado. A banda produziu o trabalho no Abbey Road Studios de Londres em diferentes sessões em 1972 e 1973 ao lado do produtor Alan Parsons, diretamente responsável pelo desenvolvimento dos elementos sonoros mais exóticos presentes no disco, e a capa, que traz um prisma sendo atingido por um feixe de luz o transformando em um arco-íris, foi desenvolvida para simbolizar a complexidade que o som da banda escondia por trás de sua aparência simples.
The Dark Side of the Moon foi um sucesso imediato, chegando ao topo da Billboard 200 nos Estados Unidos e já fez mais de novecentas aparições na parada desde então, tendo vendido mais de quinze milhões de cópias e estando na lista dos álbuns mais vendidos da história no país, também no Reino Unido e na França, com um total de cinquenta milhões de cópias comercializadas mundialmente até hoje. A obra também recebeu aprovação total dos fãs e aclamação da crítica especializada, sendo considerado até hoje um dos mais importantes álbuns de rock de todos os tempos.
Em 2003, a revista especializada em música Rolling Stone anexou The Dark Side Of The Moon no segundo lugar de uma lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame. Em 2010, foram lançadas duas edições, a chamada Immersion e a chamada Experience. A edição Experience possui um disco bônus com o álbum tocado na integra no Wembley Empire Pool em Londres em 1974, veiculado pela Radio BBC. O concerto da BBC só não foi lançado na integra por ausencia do lançamento oficial da musica Echoes, que existe no formato bootleg. A edição Immersion contem DVDs e CDs, além de outros itens.
O Pink Floyd foi formado em 1965, em Londres, Inglaterra. A banda, que teve sua formação clássica com David Gilmour (guitarra e vocal), Roger Waters (baixo e vocal), Richard Wright (teclado e voz) e Nick Mason (bateria), foi uma das mais bem-sucedidas e influentes da história.
A mistura de sons psicodélicos, progressivos e inovadores, aliados a letras filosóficas e profundas, fez com que o Pink Floyd ganhasse uma legião de fãs pelo mundo. Os 15 álbuns de estúdio se tornaram clássicos, que fazem partes de coleções e trilhas sonoras de várias vidas. Ouvir o Pink Floyd é uma experiência musical incrível e importante, pois com a obra dos músicos ingleses é possível perceber a evolução das técnicas de gravação, as experimentações musicais, a psicodelia.
O disco Atom Heart Mother, lançado em 1970, foi o 5° álbum de Gilmour, Waters e companhia. Foi um dos três trabalhos do Floyd a utilizar o som quadrofônico, que é um sistema de gravação e reprodução de som em quatro canais independentes, diferente do mono (um canal) e do estéreo (dois canais). Esse sistema permite a reprodução do som em três dimensões, com uma percepção de profundidade. O disco tem uma das capas mais enigmáticas da história da música, sendo conhecido como o “disco da vaca”. O dono do animal recebeu duas mil libras pelos “direitos de imagem” da vaca. Ficou na primeira posição, em vendas, no Reino Unido, e 55ª nos EUA, onde conquistou o disco de ouro em 1994.
Em 1973, lançaram o oitavo disco da carreira, The Dark Side of The Moon, sucesso imediato, que figurou no topo da Billboard 200, nos EUA. Foi esse trabalho que marcou uma mudança no som da banda, com letras mais pessoais e instrumentais menores.
O conceito deste disco é pautado nos males que afligem o homem moderno, como o tempo que escraviza (na música Time), o dinheiro (no clássico Money) e a solidão, retratada em Us and Then. Também foi gravado com o som quadrifônico e vendeu 50 milhões de cópias pelo mundo. É considerado pelos críticos especializados como um dos mais importantes álbuns da história do rock.
Existe também a estranha sincronia do disco com o filme O Mágico de Oz (1939). Se quiser tirar a prova, coloque o filme para rodar, sem som. Inicie o disco, no modo repeat, após o terceiro rugido do leão presente no logo da MGM e tire suas conclusões.
Wish you were here é o 9° trabalho de estúdio do Pink Floyd. Também com o som quadrifônico, o disco explora a ausência, principalmente a provocada por Sid Barret, um dos fundadores da banda, que se afastou devido ao colapso mental provocado pelas drogas, e também a indústria musical. Shine On, Welcome to the machine e Have a Cigar retratam bem essa relação da banda com os empresários da indústria fonográfica.
O disco, lançado em setembro de 1975, foi um sucesso instantâneo. Tanto que a gravadora da banda na época, a EMI, não conseguia fabricar cópias suficientes para atender a demanda do público. Vendeu mais de 13 milhões de cópias no mundo.
O disco The Wall é o 11° da carreira do Pink Floyd. Lançado em 1979, o álbum é conceitual e aborda o personagem Pink, baseado na figura de Roger Waters. Assim como o baixista da banda, Pink perde seu pai na Segunda Guerra Mundial e tem que lidar com solidão e isolamento, os abusos dos professores na escola e o fim de seu casamento. Aspectos que contribuem para a metafórica construção do muro, que o isola da sociedade.
O disco foi um dos mais bem-sucedidos dos anos 1980, vendendo 11,5 milhões de cópias nos EUA. Durante as gravações, o tecladista Richard Wright deixa a banda, mas continua acompanhando o grupo como músico contratado.
Em 1982, a MGM lançou o filme Pink Floyd – The Wall, que conta a história de Pink, nos mesmos moldes do disco. É um filme com poucos diálogos, que tem a história contada pelas músicas do álbum. Em 1988, em uma entrevista a uma rádio australiana, Roger Waters disse que não conseguia ter nenhuma simpatia pelo personagem do filme, representado por Bob Geldof.
The Final Cut, é o 12° álbum da banda. Lançado em 1983, o disco marcou a saída de Roger Waters do Pink Floyd. O baixista ainda proibiu os antigos companheiros, David Gilmour e Nick Mason, de utilizarem o nome Pink Floyd futuramente. Esse trabalho também ficou marcado pela insatisfação de David Gilmour, que o considera mais um trabalho solo de Waters do que um disco da banda. O Pink Floyd não tocou as músicas do álbum ao vivo, e Roger Waters executou algumas em suas turnês solo.
The Final Cut trata dos prejuízos da guerra e do desperdício das vidas humanas pelos governos. Já que o pai de Roger Waters morreu em combate, podemos dizer que esse é um praticamente um trabalho autobiográfico do músico.
The Dark Side of the Moon é o oitavo álbum de estúdio da banda britânica de rock progressivo Pink Floyd, lançado em 1 de março de 1973. O disco marca uma nova fase no som da banda, com letras mais pessoais e instrumentais menores, contendo alguns dos mais complicados usos dos instrumentos e efeitos sonoros existentes na época, incluindo o som de alguém correndo à volta de um microfone e a gravação de múltiplos relógios a tocar ao mesmo tempo.
Os temas explorados na obra são variados e pessoais, incluindo cobiça, doença mental e envelhecimento, inspirados principalmente pela saída de Syd Barrett, integrante que deixou o grupo em 1968 depois que sua saúde mental se deteriorou. O conceito básico do disco foi desenvolvido quando a banda estava em turnê, e muito do novo material foi apresentado ao vivo, muito antes de ser gravado. A banda produziu o trabalho no Abbey Road Studios de Londres em diferentes sessões em 1972 e 1973 ao lado do produtor Alan Parsons, diretamente responsável pelo desenvolvimento dos elementos sonoros mais exóticos presentes no disco, e a capa, que traz um prisma sendo atingido por um feixe de luz o transformando em um arco-íris, foi desenvolvida para simbolizar a complexidade que o som da banda escondia por trás de sua aparência simples.
The Dark Side of the Moon foi um sucesso imediato, chegando ao topo da Billboard 200 nos Estados Unidos e já fez mais de novecentas aparições na parada desde então, tendo vendido mais de quinze milhões de cópias e estando na lista dos álbuns mais vendidos da história no país, também no Reino Unido e na França, com um total de cinquenta milhões de cópias comercializadas mundialmente até hoje. A obra também recebeu aprovação total dos fãs e aclamação da crítica especializada, sendo considerado até hoje um dos mais importantes álbuns de rock de todos os tempos.
Em 2003, a revista especializada em música Rolling Stone anexou The Dark Side Of The Moon no segundo lugar de uma lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame. Em 2010, foram lançadas duas edições, a chamada Immersion e a chamada Experience. A edição Experience possui um disco bônus com o álbum tocado na integra no Wembley Empire Pool em Londres em 1974, veiculado pela Radio BBC. O concerto da BBC só não foi lançado na integra por ausencia do lançamento oficial da musica Echoes, que existe no formato bootleg. A edição Immersion contem DVDs e CDs, além de outros itens.
O Pink Floyd foi formado em 1965, em Londres, Inglaterra. A banda, que teve sua formação clássica com David Gilmour (guitarra e vocal), Roger Waters (baixo e vocal), Richard Wright (teclado e voz) e Nick Mason (bateria), foi uma das mais bem-sucedidas e influentes da história.
A mistura de sons psicodélicos, progressivos e inovadores, aliados a letras filosóficas e profundas, fez com que o Pink Floyd ganhasse uma legião de fãs pelo mundo. Os 15 álbuns de estúdio se tornaram clássicos, que fazem partes de coleções e trilhas sonoras de várias vidas. Ouvir o Pink Floyd é uma experiência musical incrível e importante, pois com a obra dos músicos ingleses é possível perceber a evolução das técnicas de gravação, as experimentações musicais, a psicodelia.
O disco Atom Heart Mother, lançado em 1970, foi o 5° álbum de Gilmour, Waters e companhia. Foi um dos três trabalhos do Floyd a utilizar o som quadrofônico, que é um sistema de gravação e reprodução de som em quatro canais independentes, diferente do mono (um canal) e do estéreo (dois canais). Esse sistema permite a reprodução do som em três dimensões, com uma percepção de profundidade. O disco tem uma das capas mais enigmáticas da história da música, sendo conhecido como o “disco da vaca”. O dono do animal recebeu duas mil libras pelos “direitos de imagem” da vaca. Ficou na primeira posição, em vendas, no Reino Unido, e 55ª nos EUA, onde conquistou o disco de ouro em 1994.
Em 1973, lançaram o oitavo disco da carreira, The Dark Side of The Moon, sucesso imediato, que figurou no topo da Billboard 200, nos EUA. Foi esse trabalho que marcou uma mudança no som da banda, com letras mais pessoais e instrumentais menores.
O conceito deste disco é pautado nos males que afligem o homem moderno, como o tempo que escraviza (na música Time), o dinheiro (no clássico Money) e a solidão, retratada em Us and Then. Também foi gravado com o som quadrifônico e vendeu 50 milhões de cópias pelo mundo. É considerado pelos críticos especializados como um dos mais importantes álbuns da história do rock.
Existe também a estranha sincronia do disco com o filme O Mágico de Oz (1939). Se quiser tirar a prova, coloque o filme para rodar, sem som. Inicie o disco, no modo repeat, após o terceiro rugido do leão presente no logo da MGM e tire suas conclusões.
Wish you were here é o 9° trabalho de estúdio do Pink Floyd. Também com o som quadrifônico, o disco explora a ausência, principalmente a provocada por Sid Barret, um dos fundadores da banda, que se afastou devido ao colapso mental provocado pelas drogas, e também a indústria musical. Shine On, Welcome to the machine e Have a Cigar retratam bem essa relação da banda com os empresários da indústria fonográfica.
O disco, lançado em setembro de 1975, foi um sucesso instantâneo. Tanto que a gravadora da banda na época, a EMI, não conseguia fabricar cópias suficientes para atender a demanda do público. Vendeu mais de 13 milhões de cópias no mundo.
O disco The Wall é o 11° da carreira do Pink Floyd. Lançado em 1979, o álbum é conceitual e aborda o personagem Pink, baseado na figura de Roger Waters. Assim como o baixista da banda, Pink perde seu pai na Segunda Guerra Mundial e tem que lidar com solidão e isolamento, os abusos dos professores na escola e o fim de seu casamento. Aspectos que contribuem para a metafórica construção do muro, que o isola da sociedade.
O disco foi um dos mais bem-sucedidos dos anos 1980, vendendo 11,5 milhões de cópias nos EUA. Durante as gravações, o tecladista Richard Wright deixa a banda, mas continua acompanhando o grupo como músico contratado.
Em 1982, a MGM lançou o filme Pink Floyd – The Wall, que conta a história de Pink, nos mesmos moldes do disco. É um filme com poucos diálogos, que tem a história contada pelas músicas do álbum. Em 1988, em uma entrevista a uma rádio australiana, Roger Waters disse que não conseguia ter nenhuma simpatia pelo personagem do filme, representado por Bob Geldof.
The Final Cut, é o 12° álbum da banda. Lançado em 1983, o disco marcou a saída de Roger Waters do Pink Floyd. O baixista ainda proibiu os antigos companheiros, David Gilmour e Nick Mason, de utilizarem o nome Pink Floyd futuramente. Esse trabalho também ficou marcado pela insatisfação de David Gilmour, que o considera mais um trabalho solo de Waters do que um disco da banda. O Pink Floyd não tocou as músicas do álbum ao vivo, e Roger Waters executou algumas em suas turnês solo.
The Final Cut trata dos prejuízos da guerra e do desperdício das vidas humanas pelos governos. Já que o pai de Roger Waters morreu em combate, podemos dizer que esse é um praticamente um trabalho autobiográfico do músico.
quarta-feira, 20 de julho de 2016
New York City Discotheque
Os embalos das noites da New York City ganham registro
Dava um roteiro de filme: o cara sai de uma cidade no interior do Rio Grande do Sul, vai parar nos Estados Unidos, vira soldado na Guerra do Vietnã, é ferido em combate, volta condecorado e, em Nova York, resolve levar para o Rio de Janeiro a novidade das discotecas. Ao pioneirismo do gaúcho Carlos Wattimo, 70, é que a cidade deve a sua entrada precoce nos embalos de sábado à noite, eis o que conta o livro “A primeira e única New York City: a discoteca que iniciou a era disco no Brasil”, de Mario Abbade (crítico de cinema de O GLOBO) e Celso Rodrigues Ferreira Junior, a ser lançado mês que vem (a noite de autógrafos está marcada para o dia 16, na Livraria da Travessa de Ipanema).
Aberta ao público em 21 de maio de 1976, no imóvel da Rua Visconde de Pirajá, 22 (onde antes ficava a boate Preto 22, do apresentador de TV Flavio Cavalcanti), a New York City Discotheque chegou causando comoção, com sua pista comandada pelo DJ carioca Ricardo Lamounier — o sujeito que, ainda em Nova York, não só deu a Wattimo a ideia de abrir a casa, como ainda o nome (ele dizia: “Se em NY havia uma boate chamada Ipanema, por que não haver no Rio uma New York City Discotheque?”).
— O que o Rio tinha até então eram boates, não discotecas — explica Mario Abbade, 50, que em 1979 chegou a ir a algumas matinês da casa. — A New York City foi a primeira a copiar as discotecas de Nova York, em que a estrela era o DJ, com um sistema de luz impressionante e um som ensurdecedor. O Ricardo entrava em cena rasgando papel laminado e vestindo um macacão de lamê, como se estivesse num palco. E ele trouxe para o Rio as técnicas de mixagem dos DJs americanos.
Sem barração na porta (pagando ingresso e entrando na fila, qualquer pessoa maior de idade podia frequentá-la), a New York City Discotheque ficou lotada por noites a fio, atraiu celebridades, rendeu uma série de LPs (o primeiro vendeu mais de 50 mil cópias), inaugurou uma era de democratização da noite carioca e inspirou a abertura de outras casas (como a Papagaios, na Lagoa, do empresário Ricardo Amaral). Mas não deixou uma memória farta e gloriosa como a de outras discotecas que surgiram posteriormente, especialmente a Frenetic Dancing Days, que o produtor e jornalista Nelson Motta abriu na Gávea.
— Comecei a pesquisar sobre a New York City Discotheque quando organizei uma mostra sobre a era disco no cinema — diz Mario Abbade. — Ao entrevistar algumas pessoas, vi que a magnitude da casa ia bem além da mostra. Ela estava virando menos do que uma nota de rodapé da história, não era citada em livros e havia uma dificuldade muito grande de encontrar informações nos jornais.
sexta-feira, 15 de julho de 2016
sábado, 12 de março de 2016
Do Blues passando pela Soul Music até a House
Sem desmerecer os grandes cantores de sucesso
que não foram citados aqui, além de excelentes músicas
que consideramos como "hinos" da Soul Music.
Vamos conhecer um pouco
desse movimento na sua origem?
Uma das mais populares dessas manifestações era o canto religioso negro. Chamado de Spiritual (hoje Gospel), ele se desenvolveu no século 18 com a adoção do cristianismo pela população negra como uma forma de “libertação”, as igrejas americanas foram os verdadeiros conservatórios musicais para a comunidade negra. Resultado da tradição religiosa afro-americana que se formou, o Spiritual foi uma evolução das músicas de trabalho e de protesto cantadas pelos escravos no campo desde o século 17. Fora das tradições religiosas, as canções dos escravos evoluíram para na virada do século 19 para o 20 desembocar em dois novos gêneros: o blues e o jazz.
Nascido no sul dos Estados Unidos, o blues surgiu como um gênero rural com sonoridade e letras melancólicas, cheias de angústia e que retrataram a dura realidade social dos negros. Décadas após a abolição da escravidão, a rotina da população negra norte-americana ainda era de sofrimento e privações. As oportunidades de diversão estavam nos encontros dominicais nas missas nas Igrejas e nos bailes nas noites dos sábados, regados a uísque. Assim, formou-se uma tradição em que os domingos pertenciam ao Senhor, enquanto as noites de sábados ficavam a cargo do Diabo.
Nessas noites de diversão e prazer, além de uísque e blues, havia também o ragtime, um ritmo que misturava as tradições orais com as influências europeias e resultava num estilo único e animado de tocar piano. Em pouco tempo, a junção do blues e do ragtime daria origem a um novo gênero, o jazz. Pequenas bandas de músicos negros faziam improvisações em cima de marchas com bases melódicas simples. O jazz evoluiu rapidamente para uma dança de salão das mais populares entre negros e brancos, e criou uma série de variações, como o swing e o bebop.
Ao longo da primeira metade do século 20, as músicas afro-americanas, sejam as religiosas, como o gospel (evolução do spiritual com canções que destacam vocais e coros e que expressam uma intensidade espiritual de forma dramática e emotiva), sejam as seculares, como o blues e o jazz, se popularizaram cada vez mais. Entre as décadas de 40 e 50, suas vertentes já totalmente urbanizadas dariam origem ao rhythm’n’blues ou R&B (diferente do R&B atual, era uma mistura de jazz e blues, com ênfase nos vocais, feita para dançar) e ao rock’n’roll, dois novos gêneros que dominariam a canção popular ao redor do planeta a partir de então.
O sucesso do rock na década de 50, apesar de um gênero forjado na fusão dos ritmos afro-americanos com a country music, não deu todo o destaque que os artistas negros mereciam. O reconhecimento e a conquista das paradas de sucesso para os afro-americanos só viriam na década seguinte com a soul music, ou a “música de Negro”.
A soul music era uma mistura de gospel e rhythm’n’blues. O gênero começou a ganhar feições com as canções de Ray Charles e Sam Cooke ainda nos anos 50. Mas foi com o surgimento da gravadora independente Motown no começo dos anos 60 que a soul music ganhou o mundo. Além da Motown, de Detroit, as também independentes Atlantic, da Filadélfia, e Stax, de Memphis, se destacaram ao lançarem os principais nomes do gênero nos anos 60 e 70.
A gravadora Stax de Memphis,
se destacou por ser uma das poucas
que mantinham um stafe de profissionais negros no se plantel de diretores.
Sam Cooke nascido em 22 de janeiro de 1931 e assassinado em 11 de dezembro de 1964, foi um artista, cantor e empresário estado-unidense muito reconhecido e estimado. Hoje em dia, muitos o consideram o fundador da soul music. É considerado pela revista Rolling Stone como o 4º maior cantor de todos os tempos, e pela mesma revista, o 16º maior artista de todos os tempos. Chamado de "The king of soul", o legado de Sam Cooke é vasto. Ele ganhou 29 dos 40 mais mais nos Estados Unidos entre 1957 e 1965.
Mas tinha mais. Antes mesmo de Aretha Franklin ser coroada a “Rainha do Soul”, o título de padrinho do gênero ficou com James Brown. Desde meados dos anos 50, ele de um lado e Sam Cooke de outro começaram a inventar a soul music. Brown fez com suas misturas de gospel e rhythm’n’blues e sob influência dos rocks de Little Richards um caldeirão de ritmos alucinadamente dançantes e com letras bombásticas, como nos sucessos “I Got You (I Feel Good)” ou “Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine”.
O documentário "Standing in the Shadows of Motown" retrata
a trajetória dos Funk Brothers, banda que tocou os principais
sucessos junto com os astros da soul music nos anos 60 e 70
Com sua impressionante voz, reconhecida como
uma das melhores da história da música popular,
Aretha Franklin é considerada a "Rainha do Soul"
Marvin Gaye foi um dos ícones e um dos
mais populares artistas da "soul music"
com suas baladas românticas e sensuais
O surgimento e o sucesso da soul music foram simultâneos ao desenvolvimento do movimento pelos direitos civis nos Estados Unidos. A luta contra a segregação racial resultou em mudanças nas legislações racistas no país e no fortalecimento do movimento pela valorização da cultura negra. Além disso, as ações políticas dos negros ganharam peso com as atuações pacifistas do reverendo Martin Luther King Jr e a movimentação nem um pouco pacifista da organização política Panteras Negras, adepta do lema “black power”.
Produto direto desses momentos efervescentes e dessa busca pelas conquistas sociais, econômicas e políticas nos anos 60 e 70, a soul music oferecia um repertório composto em sua maior parte por baladas que têm o amor como tema central. Mas havia também canções “engajadas” que enfatizavam o orgulho da herança africana e as precárias condições de vida enfrentadas pela grande maioria dos negros americanos.
O sucesso que a soul music fez a partir dos anos 60 acompanhou as conquistas dos negros na sociedade americana. Ao mesmo tempo em que as canções do gênero ocupavam os primeiros lugares das paradas de sucesso nos Estados Unidos, e também no Reino Unido, surgiram novas oportunidades econômicas e de participação política, mudanças culturais e ações concretas que eliminaram as legislações segregacionistas.
Nessa era de ouro da soul music, algumas músicas e artistas viraram fenômenos. Um deles foi Marvin Gaye, com suas canções com forte conotação sexual, como “Let’s Get It On” e “Sexual Healing” (já no início dos anos 80). Aretha Franklin com sua notável voz oriunda da canção gospel tornou-se a “Rainha do Soul”, a partir de sucessos como “Respect” e “I Say a Little Prayer”. Outra migração bem-sucedida do gospel para o pop da soul music foi a do dueto Sam & Dave. Os cantores Sam Moore e Dave Prater chegaram ao número um das paradas de rhythm’n’blues com as canções “Hold On, I’m A-Comin” e “Soul Man”. Liderado por Diana Ross, o grupo vocal feminino Supremes emplacou sucesso atrás de sucesso nos anos 60, como “Baby Love” e “Stop! In the Name of Love”. Ainda na linha de baladas românticas, que reuniam melodias perfeitas e a beleza lírica das letras, destacaram-se nessa época Ray Charles, Sam Cooke, Dionne Warwick, Temptations e Otis Redding. A soul music reuniu uma geração de incomparáveis compositores, intérpretes e músicos. Um marco não só na história da música negra como de toda a cultura pop.
No meio do sucesso da soul music que ele fez nascer, Brown começou a inventar um novo ritmo, o funk, e com ele uma nova forma de dançar. Uma versão anárquica do soul com ênfase na sonoridade do baixo e da percussão, o funk iniciou um novo ciclo de influências da black music que desaguaria na disco music e no hip hop nos anos 70.
O funk inventado por James Brown, a versão mais energética, dançante e expansiva da soul music, misturou-se à onda psicodélica do final dos anos 60 e ingressou na década de 70 como um dos gênero mais populares. O sucesso de artistas e grupos como George Clinton e Funkadelic, Earth, Wind & Fire, Kool & The Gang, Commodores , Jackson 5, entre outros ditou uma nova moda com suas roupas coloridas, cabelos black power e danças coreografadas. Isso, no entanto, não ofuscou a soul music composta por baladas românticas que continuava a produzir hits através de Marvin Gaye, Roberta Flack, Diana Ross, Al Green, Stevie Wonder e Barry White.
Nessa trajetória, a música negra não deixou para trás seu engajamento. Um dos pontos altos desse compromisso foi o Wattstax, um megaconcerto, uma espécie de versão da música negra para Woodstock. Realizado no Memorial Coliseum, de Los Angeles, em 1972, o show relembrou os conflitos raciais que tomaram conta do bairro de população majoritariamente negra de Watts, na região sul de Los Angeles, e que resultaram na morte de 34 pessoas. Promovido pela gravadora Stax, de Memphis, o concerto reuniu alguns dos principais nomes da música negra do gospel ao blues, do soul ao funk, com destaque para a participação de Isaac Hayes.
Além de manter seu engajamento, a música negra norte-americana conseguiu também nos anos 70 expandir suas influências em outras culturas. Durante aquela década, ela passou a ser tão influente como os outros gêneros que dominavam o mercado da música popular jovem. No começo da década de 70, os britânicos desenvolveram a sua própria versão da soul music, o northern soul (é bom lembrar que nos anos 60, os ingleses já haviam recuperado o blues norte-americano ao incorporá-lo ostensivamente aos rocks de Rolling Stones, Eric Clapton, The Who e Led Zeppelin, por exemplo). As influências dos sucessos da Motown e o desenvolvimento de uma cultura de bailes principalmente na região central do Reino Unido provocaram o surgimento dessa versão britânica para o soul norte-americano.
Um exemplo do fenômeno northen soul
está retratado no filme “The Commitments”
(1991, direção de Alan Parker).
Em meados dos anos 70, com o crescimento da cena dos bailes nas periferias do Rio de Janeiro, o movimento Black Rio ganhou notoriedade nacional e, com o interesse das gravadoras no novo som, surge a figura de Gerson King Combo. Gérson consegue gravar seus dois discos de maior sucesso - Gerson King Combo, de 1977, e Gerson King Combo - Volume II, de 1978 - conseguindo sucesso radiofônico e nos bailes, com "Mandamentos Black", "God Save the King", "Funk Brother Soul" e "Good Bye". Com o esmorecimento do movimento, Gérson abandona a carreira artística e passa a trabalhar como produtor de eventos. É redescoberto no final da década de 1990 e passa a fazer shows e gravar novamente, lançando mais dois álbuns. É considerado um dos principais nomes da música negra brasileira, juntamente com Tim Maia, Hyldon e Cassiano.
A trajetória da soul music influenciou na segunda metade da década de 70 o surgimento da disco music, ou música de discoteca, e principalmente do rap e da cultura hip hop. A música de discoteca surge como uma versão mais branda do funk e menos engajada do que o soul dos anos 60. Feita para divertir e dançar, ela traz o suingue típico da black music e é propositadamente superficial e sensual.
A partir dos anos 80, as características dançantes e a sonoridade da soul music continuaram a influenciar os trabalhos de artistas como Prince e Lenny Kravitz.
Outro artista com grande influencia da soul music foi Michael Jackson que teve como sua principal fonte de inspiração James Brown, indo do soul e funk dos Jackson 5 a "Rei do Pop", sem abandonar o swing da black music.
A black music, do spiritual ao rap, tem demonstrado a vitalidade e a inventividade da cultura negra nos Estados Unidos, a partir do contínuo processo de transformação e atualização dela com elementos de outras culturas. Um processo que se iniciou com o sincretismo das tradições africanas levadas pelos escravos com a cultura européia e cristã. Sua força é tal que ela tem sido a base dos principais gêneros da música popular, culminando na House Music, que têm dominado o mercado mundial.
Independente de gostos e estilos, a verdade é que assim como no Brasil e no resto do mundo toda a música considerada como popular (Samba, Funk, Miami, Freestyle, Hip Hop, Disco, House, etc) de certa forma teve influência na black music, várias figuras da black music não foram citadas nesse texto, até porque para falar de todos esse espaço é insuficiente.
domingo, 6 de março de 2016
Esse cara é "Chic" - Joga em todas
Nile Rodgers Gregory, nascido na América em 19 de setembro de 1952, é músico, produtor e guitarrista. Ele é membro guitarrista e co-fundador com Bernard Edwards da Banda Chic, que na ativa desde 1976 é um dos grupos mais bem sucedidos da era disco.
Embora tenha gravado três álbuns solo Durante os anos 1980 e 1990, Rodgers obteve mais sucesso produzindo e performando com muitos artistas como Sister Sledge, Diana Ross, Tina Arena, David Bowie, Duran Duran (foi o compositor do grande sucesso "Notorious"), Madonna (produtor do segundo álbum que alavancou a sua carreira "Material Girl"), INXS, Britney Spears e, mais recentemente, Daft Punk, Pharrell Williams, Avicii, Sam Smith, Pitbull, Lady Gaga, Kylie Minogue, Nervo e Laura Mvula.
Anos 70
Nile conheceu o baixista Bernard Edwards em 1970, quando ambos trabalhavam como músicos em turnê para o show no palco Sesame Street. Juntos eles formaram a Big Apple Band, e trabalharam como músicos de background para o grupo Vocal "I´m Doin Fine Now" de Nova York, um hit lhes permitiu uma turnê extensa abrindo shows para "The Jackson 5" durante sua primeira turnê mundial em 1973. A banda se dissolveu depois de que o seu segundo álbum não conseguiu produzir um hit, mas Nile e Bernard juntaram forças com o baterista Tony Thompson formando a banda Funk/Rock "The Boys", com vários shows espalhados pela Costa Leste. Apesar do grande interesse em suas demos, eles não conseguiram emplacar um LP depois que as gravadoras descobriram que eles eram negros, como eles pensavam que artistas de rock negros seria muito difícil de promover. A banda continuou tocando na maior parte dos bares locais.
Formação do Chic
Com a denominação "Apple Big Band", Rodgers e Edwards trabalharam com Ashford & Simpson, Luther Vandross, e muitos outros. Como um outro artista de Nova York, Walter Murphy, tinha uma banda também chamada The Big Apple Band, Rodgers e Edwards foram forçados a mudar o nome de sua banda para evitar confusão. Assim, em 1977 a banda foi rebatizada como "Chic".
Em 1970 a formação do grupo "Chic" foi Luci Martin, Nile Rodgers, Bernard Edwards e Alfa Anderson. Entre os shows, eles gravaram seu primeiro álbum com "Luther Vandross", que forneceu "backing vocal" nas primeiras gravações do grupo. A banda Marcou os dez melhores hits e o álbum ajudou a impulsionar a novos níveis de popularidade.
Canções no topo das paradas como "Le Freak", "I Want Your Love", "Everybody Dance", "Dance, Dance, Dance", "My Forbidden Lover" e "Good Times" tornaram-se referências club / Pop / R & B.
O sucesso dos primeiros singles do Chic levou a Atlantic a oferecer para Rodgers e Edwards oportunidade de produzir artistas de sua lista. Eles escolheram Sister Sledge, cujo álbum de 1978, We Are Family, alcançou a posição 3 e permaneceu bem nas paradas em 1979 com os dois primeiros singles, "He's the Greatest Dancer" e a faixa título "We Are Family" (que também teve Luther Vandros nos backing vocals) respectivamente na parada pop.
Como som apurado do grupoo Chic tornou cada vez mais procurado, Rodgers e Edwards começaram a produzir trabalhos de inúmeros artistas, em conjunto ou individualmente.
Anos 80
Rodgers e Edwards escreveram e produziram o álbum "Diana" para "Diana Ross", produzindo os grandes sucessos "Upside Down" e "I'm Coming Out" considerados hits do público Gay preferencialmente os negros. A canção "Good Times" do Chic desempenhou um papel crucial na explosão do "Hip Hop", como uma interpolação de linha de baixo e da seção de cordas do disco era o alicerce do "The Sugarhill Gang" para "Rapper's Delight" o primeiro multi-platina do gênero Hip Hop.
O Chic foi dissolvido em 1983 após o ultimo contrato com a Atlantic para o single e "Soup For One" (a trilha sonora do filme), "Soup For One" (O rif de "Soup For One" foi utilizado como base para a produção de "Lady (Hear Me Tonight)" um grande hit do grupo "Modjo"), quando Rodgers começou sua carreira solo.
Rodgers co-produziu com"David Bowie" o seu álbum mais vendido "Let's Dance" com vários hits incluindo "China Girl", "Modern Love" e a faixa-título, "Let's Dance". Ele produziu o single "Original Sin" do INXS. Rodgers trabalhou por muito tempo com o grupo "Duran Duran" depois de remixar seu hit com o maior sucesso de vendas, "The Reflex". Dizia-se que Rodgers havia se tornado um membro do "Duran Duran" quando eles lançaram o álbum "Notorious", mas ele só agiu como um co-produtor e músico no álbum.
Nesse mesmo ano, produziu "Like a Virgin" o álbum mais bem sucedido de "Madonna", colocando a sua assinatura em dois hits "Material Girl" e a faixa título do álbum, "Like a Virgin". O álbum teve uma reunião não oficial de membros do núcleo do Chic, com Rodgers, Edwards, o baterista Tony Thompson e tecladista Robert Sabino.
Rodgers também atuou em estúdio com Robert Plant no álbum The Honeydrippers, Peter Gabriel, Kim Carnes, The Fly e Bryan Ferry.
Em 1985, Rodgers produziu álbuns para Sheena Easton, Jeff Beck, Thompson Twins, Mick Jagger, e muitos outros, enquanto ainda encontrava tempo para se apresentar no ao vivo com Madonna e Thompson Twins. Fechando o ano, ele foi premiado com o #1 produtor de singles do mundo pela revista Billboard.
Anos 90
Em Setembro de 1990, a Epic lançou o Vaughan Brothers e Rodgers produziu o álbum, Family Style, logo após a morte prematura do virtuoso guitarrista Stevie Ray Vaughan. No início de década ele também produziu projetos para David Bowie, Eric Clapton, The B-52s, David Lee Roth, Ric Ocasek, The Reed Rede Dan, Cathy Dennis, Patty Griffin, Jimmie Vaughan, The Stray Cats e muitos outros artistas, a trilha sonora de Thelma e Louise, World Cool and The Beavis e Butt-Head Experience. Depois de uma festa de aniversário 1992 Onde Rodgers, Bernard Edwards, Paul Shaffer e Anton Fig o velho Chic atinge uma resposta arrebatadora. Rodgers e Edwards formam uma nova versão do Chic. Eles gravaram uma reformulação do material para o álbum Chic-Ism tocada ao vivo em todo o mundo.
Em 1995, tocou na faixa "Money" para o álbum "History" de Michael Jackson.
Em 1996, Rodgers lançou o álbum Chic Anormal, contendo regravações de antigos materiais com vocalistas convidados, incluindo Ashford e Simpson, Taja Sevelle, Simon Le Bon e Christopher Max.
Em 1997, "Notorious BIG" lançou "Mo Money Mo Problems" utilizando a base da música "I'm Coming Out" produzida por Rodgers, para o álbum de platina em 1980 de Diana Ross. "Mo Money Mo Problems" ficou no topo da Billboard Hot 100 por duas semanas e foi indicado para o Grammy Award de melhor performance Rap em 1998.
Anos 2000
Rodgers se dedicou em projetos de trilha sonora, filmes e jogos de vídeo. Entre eles estavam: Rush Hour 2, Snow Dogs e Semi-Pro, estrelado por Will Ferrell, que co-escreveu a canção-título "Love Me Sexy" de Rodgers.
O Chic foi indicado ao Rock & Roll Hall of Fame 10 vezes - 2003, 2006, 2007, 2008, 2009, 2011, 2013, 2014, 2015 e 2016.
Nos últimos anos, tem colaborado com uma série de músicos incluindo o seus três Grammy Award 2014 na colaboração vencedora com Daft Punk, Avicii, Disclosure, Sam Smith entre muitos outros.
Em outubro de 2011, Rodgers com o cantor Adam Lambert trabalhou em Nova York em uma canção intitulada "Shady" para o segundo álbum de Lambert, Trespassing. Ambos Rodgers e Lambert twittou com entusiasmo sobre a colaboração, e Rodgers também mencionou em seu blog Planeta C.
Em fevereiro de 2012, Rodgers anunciou que estava colaborando com a banda eletrônica "Daft Punk" para seu último álbum, "provocando as suas influências de R & B". Durante uma entrevista ao vivo para o UMFTV no Festival de Música 2013 Ultra em Miami, Rodgers confirmou que estava trabalhando com Daft Punk, bem como na gravação de algumas faixas com Avicii, e mencionou o trabalho com Chase & status e Felix da Housecat.
Além de participar nas músicas "Mandou Bem" e "Blecaute (part. Anitta)" com a banda brasileira "Jota Quest".
Em novembro de 2013 deu uma entrevista à BBC News a falar sobre os Daft Punk, Madonna, Diana Ross e sobre ter vencido o câncer.[1]
Rodgers co-escreveu e tocou guitarra em três faixas no álbum Disclosure do Daft Punk: "Give Life Back to Music", "Lose Yourself to Dance" e "Get Lucky" que em 2014 foi incluido no setlist dos shows ao vivo do Chic.
Embora tenha gravado três álbuns solo Durante os anos 1980 e 1990, Rodgers obteve mais sucesso produzindo e performando com muitos artistas como Sister Sledge, Diana Ross, Tina Arena, David Bowie, Duran Duran (foi o compositor do grande sucesso "Notorious"), Madonna (produtor do segundo álbum que alavancou a sua carreira "Material Girl"), INXS, Britney Spears e, mais recentemente, Daft Punk, Pharrell Williams, Avicii, Sam Smith, Pitbull, Lady Gaga, Kylie Minogue, Nervo e Laura Mvula.
Anos 70
Nile conheceu o baixista Bernard Edwards em 1970, quando ambos trabalhavam como músicos em turnê para o show no palco Sesame Street. Juntos eles formaram a Big Apple Band, e trabalharam como músicos de background para o grupo Vocal "I´m Doin Fine Now" de Nova York, um hit lhes permitiu uma turnê extensa abrindo shows para "The Jackson 5" durante sua primeira turnê mundial em 1973. A banda se dissolveu depois de que o seu segundo álbum não conseguiu produzir um hit, mas Nile e Bernard juntaram forças com o baterista Tony Thompson formando a banda Funk/Rock "The Boys", com vários shows espalhados pela Costa Leste. Apesar do grande interesse em suas demos, eles não conseguiram emplacar um LP depois que as gravadoras descobriram que eles eram negros, como eles pensavam que artistas de rock negros seria muito difícil de promover. A banda continuou tocando na maior parte dos bares locais.
Formação do Chic
Com a denominação "Apple Big Band", Rodgers e Edwards trabalharam com Ashford & Simpson, Luther Vandross, e muitos outros. Como um outro artista de Nova York, Walter Murphy, tinha uma banda também chamada The Big Apple Band, Rodgers e Edwards foram forçados a mudar o nome de sua banda para evitar confusão. Assim, em 1977 a banda foi rebatizada como "Chic".
Em 1970 a formação do grupo "Chic" foi Luci Martin, Nile Rodgers, Bernard Edwards e Alfa Anderson. Entre os shows, eles gravaram seu primeiro álbum com "Luther Vandross", que forneceu "backing vocal" nas primeiras gravações do grupo. A banda Marcou os dez melhores hits e o álbum ajudou a impulsionar a novos níveis de popularidade.
Canções no topo das paradas como "Le Freak", "I Want Your Love", "Everybody Dance", "Dance, Dance, Dance", "My Forbidden Lover" e "Good Times" tornaram-se referências club / Pop / R & B.
O sucesso dos primeiros singles do Chic levou a Atlantic a oferecer para Rodgers e Edwards oportunidade de produzir artistas de sua lista. Eles escolheram Sister Sledge, cujo álbum de 1978, We Are Family, alcançou a posição 3 e permaneceu bem nas paradas em 1979 com os dois primeiros singles, "He's the Greatest Dancer" e a faixa título "We Are Family" (que também teve Luther Vandros nos backing vocals) respectivamente na parada pop.
Como som apurado do grupoo Chic tornou cada vez mais procurado, Rodgers e Edwards começaram a produzir trabalhos de inúmeros artistas, em conjunto ou individualmente.
Anos 80
Rodgers e Edwards escreveram e produziram o álbum "Diana" para "Diana Ross", produzindo os grandes sucessos "Upside Down" e "I'm Coming Out" considerados hits do público Gay preferencialmente os negros. A canção "Good Times" do Chic desempenhou um papel crucial na explosão do "Hip Hop", como uma interpolação de linha de baixo e da seção de cordas do disco era o alicerce do "The Sugarhill Gang" para "Rapper's Delight" o primeiro multi-platina do gênero Hip Hop.
O Chic foi dissolvido em 1983 após o ultimo contrato com a Atlantic para o single e "Soup For One" (a trilha sonora do filme), "Soup For One" (O rif de "Soup For One" foi utilizado como base para a produção de "Lady (Hear Me Tonight)" um grande hit do grupo "Modjo"), quando Rodgers começou sua carreira solo.
Rodgers co-produziu com"David Bowie" o seu álbum mais vendido "Let's Dance" com vários hits incluindo "China Girl", "Modern Love" e a faixa-título, "Let's Dance". Ele produziu o single "Original Sin" do INXS. Rodgers trabalhou por muito tempo com o grupo "Duran Duran" depois de remixar seu hit com o maior sucesso de vendas, "The Reflex". Dizia-se que Rodgers havia se tornado um membro do "Duran Duran" quando eles lançaram o álbum "Notorious", mas ele só agiu como um co-produtor e músico no álbum.
Nesse mesmo ano, produziu "Like a Virgin" o álbum mais bem sucedido de "Madonna", colocando a sua assinatura em dois hits "Material Girl" e a faixa título do álbum, "Like a Virgin". O álbum teve uma reunião não oficial de membros do núcleo do Chic, com Rodgers, Edwards, o baterista Tony Thompson e tecladista Robert Sabino.
Rodgers também atuou em estúdio com Robert Plant no álbum The Honeydrippers, Peter Gabriel, Kim Carnes, The Fly e Bryan Ferry.
Em 1985, Rodgers produziu álbuns para Sheena Easton, Jeff Beck, Thompson Twins, Mick Jagger, e muitos outros, enquanto ainda encontrava tempo para se apresentar no ao vivo com Madonna e Thompson Twins. Fechando o ano, ele foi premiado com o #1 produtor de singles do mundo pela revista Billboard.
Anos 90
Em Setembro de 1990, a Epic lançou o Vaughan Brothers e Rodgers produziu o álbum, Family Style, logo após a morte prematura do virtuoso guitarrista Stevie Ray Vaughan. No início de década ele também produziu projetos para David Bowie, Eric Clapton, The B-52s, David Lee Roth, Ric Ocasek, The Reed Rede Dan, Cathy Dennis, Patty Griffin, Jimmie Vaughan, The Stray Cats e muitos outros artistas, a trilha sonora de Thelma e Louise, World Cool and The Beavis e Butt-Head Experience. Depois de uma festa de aniversário 1992 Onde Rodgers, Bernard Edwards, Paul Shaffer e Anton Fig o velho Chic atinge uma resposta arrebatadora. Rodgers e Edwards formam uma nova versão do Chic. Eles gravaram uma reformulação do material para o álbum Chic-Ism tocada ao vivo em todo o mundo.
Em 1995, tocou na faixa "Money" para o álbum "History" de Michael Jackson.
Em 1996, Rodgers lançou o álbum Chic Anormal, contendo regravações de antigos materiais com vocalistas convidados, incluindo Ashford e Simpson, Taja Sevelle, Simon Le Bon e Christopher Max.
Em 1997, "Notorious BIG" lançou "Mo Money Mo Problems" utilizando a base da música "I'm Coming Out" produzida por Rodgers, para o álbum de platina em 1980 de Diana Ross. "Mo Money Mo Problems" ficou no topo da Billboard Hot 100 por duas semanas e foi indicado para o Grammy Award de melhor performance Rap em 1998.
Anos 2000
Rodgers se dedicou em projetos de trilha sonora, filmes e jogos de vídeo. Entre eles estavam: Rush Hour 2, Snow Dogs e Semi-Pro, estrelado por Will Ferrell, que co-escreveu a canção-título "Love Me Sexy" de Rodgers.
O Chic foi indicado ao Rock & Roll Hall of Fame 10 vezes - 2003, 2006, 2007, 2008, 2009, 2011, 2013, 2014, 2015 e 2016.
Nos últimos anos, tem colaborado com uma série de músicos incluindo o seus três Grammy Award 2014 na colaboração vencedora com Daft Punk, Avicii, Disclosure, Sam Smith entre muitos outros.
Em outubro de 2011, Rodgers com o cantor Adam Lambert trabalhou em Nova York em uma canção intitulada "Shady" para o segundo álbum de Lambert, Trespassing. Ambos Rodgers e Lambert twittou com entusiasmo sobre a colaboração, e Rodgers também mencionou em seu blog Planeta C.
Em fevereiro de 2012, Rodgers anunciou que estava colaborando com a banda eletrônica "Daft Punk" para seu último álbum, "provocando as suas influências de R & B". Durante uma entrevista ao vivo para o UMFTV no Festival de Música 2013 Ultra em Miami, Rodgers confirmou que estava trabalhando com Daft Punk, bem como na gravação de algumas faixas com Avicii, e mencionou o trabalho com Chase & status e Felix da Housecat.
Além de participar nas músicas "Mandou Bem" e "Blecaute (part. Anitta)" com a banda brasileira "Jota Quest".
Em novembro de 2013 deu uma entrevista à BBC News a falar sobre os Daft Punk, Madonna, Diana Ross e sobre ter vencido o câncer.[1]
Rodgers co-escreveu e tocou guitarra em três faixas no álbum Disclosure do Daft Punk: "Give Life Back to Music", "Lose Yourself to Dance" e "Get Lucky" que em 2014 foi incluido no setlist dos shows ao vivo do Chic.
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