BEM VINDO AO CLUBEDOVINYL!

Muito tempo se passou e ele continua por aí, forte como nunca. Os realmente fieis não o abandonam jamais e, enquanto respirarem, o bom e velho vinil continuará vivo.
É nosso dever manter essa tradição da boa música sempre viva.
Aos amantes do bom e velho vinil desejamos boas vindas.

Lojas de discos não são um estabelecimento comercial qualquer, mas um espaço cultural, um ponto de encontro, um centro comunitário, um laboratório de interatividade. Suprema curtição sabática, em geral matutina, mesmo em cidades à beira-mar, nelas nasceram e se forjaram muitas amizades, sensibilidades e vocações musicais. Mais que a loja de doces dos adultos, é uma catedral aural.
(Nellie McKay)

sexta-feira, 29 de janeiro de 2021

Por que a maior de todas as bandas teve um final tão mesquinho?

Artigo de CARLOS MARCOS - Publicado em 11/Abr/2020 no EL PAIS



Um tabloide que força umas palavras de Paul McCartney e dois amigos

 que acabam ligando o ventilador dos ódios.

 Um ocaso sombrio para um grupo que encheu o mundo de felicidade.



Usaram Ringo. Era o procedimento habitual. O baterista exercia o papel de leva-e-traz ideal, um sujeito simpático e bondoso que podia suavizar a mensagem e ser o mensageiro das más notícias para Paul McCartney. Quem a enviava eram, claro, John Lennon e George Harrison. Assim que mais uma vez o bom Ringo Starr se apresentou na casa de McCartney. “Eeer, hmmm, é que John, George e eu decidimos que você não pode lançar seu disco solo em abril. Aqui está o que foi escrito.” McCartney vociferou, insultou, ergueu o dedo para Ringo, atirou seu casaco nele e o empurrou para fora. Era março de 1970. Um mês depois o maior grupo da história do rock se dissolveu. Foi um final engraçado. Final? Não houve uma entrevista coletiva para anunciá-lo. Só mensagens nas entrelinhas, uma manipulação jornalística e o ventilador dos ódios pulverizando a munição. Um episódio confuso, o amargo final de uma década em que eles fizeram o mundo ser mais feliz. E aconteceu há exatamente meio século.


“Eles oficialmente nunca se separaram. Não houve nenhum comunicado. É por isso que muita gente durante os anos setenta esperava que voltassem a gravar”, conta por telefone, na reclusão de sua casa londrina, o escritor Philip Norman (Londres, 76 anos), uma das pessoas que mais entendem da banda de Liverpool, com meia dúzia de livros lançados, incluindo John Lennon – A Vida e Paul McCartney – A Biografia (Companhia das Letras).

O conflito naquele março de 1970 era o seguinte: Paul McCartney se propunha a lançar seu primeiro disco solo, McCartney, em abril, pelo selo do quarteto, a Apple Records. O entrave era que Let It Be chegaria às lojas em maio, também pela Apple Records. Alguém observou, não sem razão, que aquela concorrência era absurda. Solução: que Paul adiasse seu álbum.


A relação entre os quatro era muito tóxica naquela época. A elaboração de Abbey Road (último álbum gravado pela banda, pois Let It Be, embora sido lançado depois, tinha sido registrado antes) levou ao limite a capacidade psicológica dos quatro. Todos se desafogaram nas canções. Harrison aproveitou a guerra entre Lennon e McCartney para colocar em Abbey Road duas de suas melhores composições, Something e Here Comes the Sun; Ringo Starr emplacou Octopus’s Garden, uma metáfora aquática que revelava o que sentia com os Beatles: “Eu queria estar debaixo d’água”; e Paul McCartney dedicava You Never Gime Your Money (“você nunca me dá seu dinheiro”) à sua besta-fera, Allen Klein.


É preciso dedicar um espaço nesta história a Klein, um sujeito nebuloso, que saneava empresas cortando as cabeças necessárias. Foi recomendado aos Beatles por Mick Jagger (outro cérebro da contabilidade) quando os buracos na tesouraria da Apple eram profundos. McCartney se negou a aceitá-lo: sabia de sua falta de escrúpulos e da sua exigência de ficar com 20% dos lucros da banda de Liverpool. Paul preferia que a parte burocrática ficasse a cargo do seu sogro, o advogado Lee Eastman, pai de sua mulher, Linda. Lennon era o principal defensor de Klein, enquanto Harrison e Starr também deram seu ok. O filme podia se chamar Todos Contra Paul.


A fúria de McCartney tomou conta de tudo. Ele ligou para os principais escritórios da Apple, para empresários do setor musical, para jornalistas, para gente influente… Até que, outra vez, Ringo, o baterista bonachão, convenceu os demais a deixarem o colega lançar seu primeiro disco solo antes de Let It Be. E chegou a vingança de Paul. Os primeiros exemplares de McCartney incluíam uma estranha entrevista (ou autoentrevista) onde o artista narrava as motivações para gravar fora da banda. Esquadrinhadas as entrelinhas e conhecendo aquele ecossistema poluído, tudo ficava claro, mas não existia uma mensagem concreta sobre o grande tema. A entrevista consta de 20 perguntas, mas as chaves são estas três:


P: Este álbum é uma separação dos Beatles ou o início de uma carreira solo?


R: O tempo dirá. Que seja um disco solo significa que é o início de uma carreira solo, e que não o tenha feito com os Beatles significa que é um descanso.


P: Esta separação dos Beatles é temporária ou permanente, e se deve a diferenças pessoais ou musicais?


R: A diferenças pessoais, empresariais e musicais, mas acima de tudo a que me divirto mais com minha família [Linda Eastman, mulher de Paul, era a única pessoa que participava do disco; McCartney o tocou inteiro]. Temporário ou permanente? Na verdade, não sei.


P: Preveem em algum momento no futuro que Lennon e McCartney componham juntos?


R: Não.


Não parecem opiniões animadoras para os fãs do quarteto, mas se diz em algum momento que os Beatles se separaram? Não claramente. “Na verdade, não sei”, deixa escapar McCartney. Os primeiros exemplares do disco, com a paródia de entrevista, foram distribuídos à mídia em 10 de abril. E aqui entra o tabloide Daily Mirror. Um jornalista desse jornal obteve um exemplar da entrevista na véspera, 9 de abril. Na manhã do dia 10, uma tiragem espetacular inundava os quiosques com uma manchete de página inteira: “Paul McCartney deixa os Beatles”. Deduz-se isso da famosa entrevista? Sim, mas não. Tanto fazia. O silêncio do resto do grupo, de Allen Klein e de outros envolvidos dava um caráter oficial a esse título. Ao final, um jornal sensacionalista anunciou o adeus do grupo.


A artilharia mais nociva ainda estava por aparecer. John Lennon ficou furioso. Foi ele quem, em 20 de setembro de 1969, numa reunião nos escritórios da Apple, tinha manifestado seu desejo de deixar os Beatles. Mas decidiram que não anunciasse isso publicamente, já que havia projetos em andamento, como Let It Be. “Foi John quem se cansou antes de ser um beatle. E procurou uma saída. Mas não encontrou o caminho até que conheceu Yoko Ono. Foi ela a pessoa que lhe disse: ‘Você não precisa estar na banda se não gostar'. Isso aconteceu em 1967. Então foi uma despedida muito lenta”, conta Philip Norman.


Lennon era já o terceiro beatle a ter sugerido que queria ir embora. O primeiro foi Ringo Starr (que de fato saiu), depois Harrison e, no ocaso do grupo, Lennon. Paul não tinha aberto a boca. “No final da sua carreira os Beatles se sentiam como numa prisão. Decidiram não fazer shows porque não se escutavam os instrumentos, apagados pelos gritos das pessoas. Afastarem-se dos holofotes porque não suportavam mais a pressão. E criaram seu próprio mundo. Os quatro sempre estavam juntos. Quando se davam bem não havia problema, mas quando aumentaram as tensões era uma tragédia. Quem tentou manter o grupo com vida sempre foi Paul. Ele estava consciente de que se não continuasse empurrado a carroça seria o final”, conta Norman.


Aquela autoentrevista de McCartney provocou a ira de seu colega. Lennon ligou para seu jornalista de cabeceira, Ray Connelly, para lhe passar algumas declarações: “Ele está se atribuindo o mérito de romper o grupo, sendo que eu tinha dito isso em setembro”, cutucou. “Havia algo de mesquinho na relação entre o Paul e John. Mas essa competitividade era parte do que os fez serem tão brilhantes juntos: desafiando-se para conseguirem feitos artísticos maiúsculos. O amor os manteve unidos por muito tempo, mas a pressão da fama chegou a um ponto que os fez se comportarem de maneira lamentável, sobretudo no final”, diz, do seu confinamento em Nova York, o escritor Peter Ames Carlin (Nova York, 56 anos), autor de Paul McCartney – Uma Vida (Nova Fronteira).


Na guerra Paul/John, a imprensa e a maioria dos fãs se posicionaram pelo segundo. Enquanto McCartney se deprimia pelas críticas ruins ao seu disco de estreia, Lennon se encontrava com jornalistas influentes, tratava-os com inusitada amabilidade para ser uma estrela arrogante e lhes contava que o Judas se chamava Paul. Acreditaram nele. Os dois amigos punham fim à sua relação. John se apaixonou por Yoko, e Paul por Linda, ambos usaram suas parceiras como substitutas do outro.


O seguinte movimento de McCartney deteriorou ainda mais sua imagem. Ele não podia admitir que 20% de seus lucros fossem para os bolsos de Allen Klein. E abriu uma ação judicial contra os Beatles. Paul se defendeu, embora revirasse roupa suja muito íntima. “Paul chegou a dizer que Klein tinha tentado se congraçar com ele difamando John, e sobretudo Yoko, quando o casal não estava presente”, diz Carlin. Anos mais tarde a Justiça deu a razão a McCartney, e os Beatles (os quatro, não só Paul) recuperaram a percentagem de Klein.


Durante os meses seguintes, a guerra recrudesceu. Paul dedicou a John algumas mensagens nada elogiosas em seu disco seguinte, Ram (1971). Agiu de forma sutil. Lennon, entretanto, escreveu canções como How Do You Sleep (de Imagine, 1971) com ódio e sem máscara, com frases como estas: “A única coisa que você fez foi Yesterday” e “o erro que você cometeu estava na sua cabeça”. “É triste que uma banda tão alegre tivesse um final tão doloroso. Projetaram tanta luz no mundo que se passa por cima da escuridão que os cercava no final. A onda de amor que emitiram teve uma ressaca: as pressões da fama e o lado sombrio da adoração que seus admiradores sentiam por eles”, reflete Carlin.


Em 1970, seis discos de membros dos Beatles foram lançados: os já citados Let It Be e McCartney, dois álbuns-solo de Ringo Starr (Sentimental Journey e Beaucoups of Blues), um de John Lennon (John Lennon/Plastic Ono Band) e um (triplo) de George Harrison (All Things Must Pass). Neles há material suficientemente bom para superar a discografia inteira de bandas muito consideradas hoje em dia.



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Homenagem - 20ª Festa dos Amigos - Família Canella

MARVIN GAYE

Marvin Gaye (Washington, 2 de abril de 1939 — Los Angeles, 1 de abril de 1984), nascido Marvin Pentz Gay, Jr., foi um cantor popular de soul e R&B, arranjador, multi-instrumentista, compositor e produtor. Ganhou fama internacional durante os anos 60 e 70 como um artista da gravadora Motown.
O início da carreira do cantor foi em 1961, na Motown, onde Gaye rapidamente se tornaria o principal cantor da gravadora e emplacaria numerosos sucessos durante os anos sessenta, entre eles "Stubborn Kind of Fellow", "How Sweet It Is (To Be Loved By You)", "I Heard It Through the Grapevine" e vários duetos com Tammi Terrell, incluindo "Ain't No Mountain High Enough" e "You're All I Need to Get By", antes de mudar sua própria forma de se expressar musicalmente. Gaye é importante por sua luta por produzir seus sucessos, mas criativamente restritivo - no processo de gravação da Motown, intérpretes, compositores e produtores eram geralmente mantidos em áreas separadas.
Com seu bem-sucedido álbum What's Going On, de 1971, e outros lançamentos subsequentes - includindo Trouble Man, de 1972, e Let's Get It On, de 1973, Gaye, que vez ou outra compunha canções para artistas da Motown no início da sua carreira, provou também que poderia tanto escrever quanto produzir seus próprios discos sem ter de confiar no sistema da Motown. Ele é também conhecido por seu ambientalismo, talvez mais evidente na canção "Mercy Mercy Me (The Ecology)".
Durante os anos setenta, Gaye lançaria outros notáveis álbuns, includindo Let's Get It On e I Want You, além de ter emplacado vários sucessos, como "Let's Get It On" e "Got to Give It Up". Já no começo dos anos oitenta, seria a vez do hit "Sexual Healing", que lhe rendeu - antes de sua morte - dois prêmios Grammy. Até o momento de ser assassinado pelo seu pai, em 1984, Gaye tinha se tornado um dos mais influentes artistas da cena soul. Em 1996, Gaye foi homenageado na 38º cerimônia do Grammy Awards.
A carreira de Marvin tem sido descrita como uma das que "abarcam toda a história do R&B, do doo-wop dos anos cinquenta ao soul contemporâneo dos anos oitenta."[2] Críticos têm também afirmado que a produção musical de Gaye "significou o desenvolvimento da black music a partir do rhythm'n blues, através de um sofisticado soul de consciência política nos anos setenta e de uma abordagem maior em assuntos de cunho pessoal e sexual.
Marvin Gaye nasceu no Freedman's Hospital, em Washington, D.C.. Ele foi o primeiro filho e o segundo mais velho de quatro filhos do pastor evangélico Marvin Pentz Gaye Sr. e da professor/dona-de-casa Alberta Cooper. Com as irmãs Jeanne e Zeola e o irmão mais novo Frankie, viviam na zona segregada da capital norte-americana, no bairro da Deanwood (nordeste da cidade). Ainda novo, ele era carregador de tacos de golfe no Norbeck Country Club, em Olney, Maryland. O pai de Gaye pregava com pastor na Igreja Adventista do Sétimo Dia chamada House of God (a "Casa de Deus"), que tinha um rigoroso código de conduta misturado a ensinamentos do judaísmo ortodoxo e pentecostalismo. Crescendo na igreja de seu pai, Marvin começou a cantar desde cedo no coral - aos 3 anos - e a tocar instrumentos. A música era uma espécie de válvula de escape para o jovem, que durante toda a infância costumava apanhar do pai diariamente. Durante o tempo em que esteve na high school, Marvin começou a ouvir doo-wop e ingressou no DC Tones como um baterista.[5] Após abandonar a Cardozo High School, Gaye alistou-se na Força Aérea dos Estados Unidos. Após o fingimento de uma doença mental,[6] ele foi dispensado por ter se recusado a seguir ordens.
Após abandonar as Forças Aéreas em 1957, Gaye começou sua carreira musical em vários grupos doo wop, fixando-se em um popular grupo de Washington DC, chamado The Marquees. Com Bo Diddley, os Marquees lançaram o single "Wyatt Earp" em 1957 pela gravadora Okeh e foram então contratados por Harvey Fuqua para o grupo The Moonglows. "Mama Loocie", lançada em 1959 pela gravadora Chess, foi o primeiro e único single de Gaye com os Moonglows. Junto com os Moonglows, Gaye assimilou várias técnicas, utilizadas posteriormente, nos álbuns que produziria. E foi com ajuda dessa banda que ele foi apresentado a empresários da cena musical. Depois de um concerto em Detroit, o "novo" Moonglows foi dissolvido e Fuqua apresentou Gaye a Berry Gordy, presidente da Motown Records. Ele contratou Gaye primeiramente como baterista de estúdio, para tocar para grupos como The Miracles, The Contours, Martha and the Vandellas, The Marvelettes, entre outros. Gaye tocou bateria para as Marvelettes na canção "Please Mr. Postman", em 1961, e para a versão ao vivo de Little Stevie Wonder para a canção "Fingertips Pt. 2", de 1963. Ambas canções alcançaram o primeiro lugar na parada norte-americana da Billboard.
Depois de iniciar sua carreira na Motown, Gaye mudou seu nome de Marvin Gay para Marvin Gaye, acrescentando o '"e"' para se separar do nome de seu pai, para encerrar os boatos em curso em torno de sua sexualidade e ainda para imitar seu ídolo, Sam Cooke, que havia também acrescentado um 'e' ao seu sobrenome.[8] Gaye desejava gravar para a Motown, mas Berry Gordy tinha receio quanto ao cantor, devido ao fato de que Gaye não costumava seguir as ordens sobre as quais a gravadora queria que ele cumprisse. De acordo com um documentário do canal de televisão VH1, a namorada de Marvin - e irmã de Berry -, Anna Berry Gordy, convenceu o irmão a assinar com Gaye. Berry concordou em deixar que Marvin gravasse versões pop-contemporâneas de baladas românticas baseadas no jazz.
Popular e querido dentro da Motown, Gaye já carregava com ele uma maneira sofisticada e cavalheiresca e tinha pouca necessidade de treinamento no setor de desenvolvimento artístico da gravadora - embora tenha seguido o conselho do diretor dessa divisão, Maxine Powell, de não cantar de olhos fechados, para não parecer que tinha adormecido". Em junho de 1961, foi lançado a primeira gravação solo de Gaye, The Soulful Moods of Marvin Gaye. Foi o segundo LP lançado pela Motown - o primeiro foi o Hi… We're The Miracles, o primeiro disco dos Miracles. Apesar das faixas "How Deep Is the Ocean?" e "How High the Moon" terem sido elogiadas pela crítica pela profundidade das harmonias e melodias, o álbum de Gaye fracassou e nem chegou às paradas norte-americanas. Marvin ainda tinha dificuldades em descobrir seu jeito próprio de cantar, que ele desejava que fosse o mais próximo de Nat King Cole, um dos ícones do jazz, estilo que predomina no primeiro disco solo de Marvin. A Motown queria que o cantor se direcionasse para melodias da soul music, mais populares e atraentes no mercado fonográfico.
Depois de discutir sobre a direção de sua carreira com Berry Gordy, Gaye - relutante - concordou em gravar mais canções de R&B de seus colegas de gravadora e outros três novos escritos pelo próprio Gordy. Seu primeiro single lançado, "Let Your Conscience Be Your Guide", construída sobre uma vibração de Ray Charles, fracassou nas paradas - tendo o mesmo ocorrido com as canções "Sandman" e "A Soldier's Plea", todas de 1962. Ironicamente, Gaye encontraria o sucesso primeiramente como compositor da canção "Beechwood 4-5789", gravada pelas Marvelettes em 1962. Finalmente naquele mesmo ano, o single "Stubborn Kind of Fellow" rendeu algum sucesso e chegou ao Top 10 R&B dos Estados Unidos. Co-escrita por Gaye e produzida pelo amigo William "Mickey" Stevenson, a gravação contou com a participação das recém-contratadas Martha and the Vandellas (então conhecidas como The Vells) e foi uma espécie de desabafo autobiográfico sobre o comportamento indiferente e deprimido de Gaye. Na sequência de "Stubborn Kind of Fellow" vieram, em 1963, outros três singles: as dançantes "Hitch Hike" e "Can I Get a Witness", que chegaram ao Top 30 Pop da Billboard, e a balada romântica "Pride and Joy", primeira canção de Gaye a chegar ao Top 10 Pop.
Apesar do cantor começar a encontrar o caminho do sucesso, Marvin ainda brigava com a Motown para ser um cantor de baladas românticas e sofisticadas, diferentemente da linha da gravadora que esperava de seus artistas os grandes hits. Batalhas entre a opção artística de Marvin e a demanda por produtos comerciais da Motown seriam frequentes ao longo dos anos e marcariam o relacionamento entre o cantor e a gravadora, já que as insistentes cobranças do selo por um trabalho mais comercial eram incompatíveis com as ambições artísticas de Gaye.
O sucesso continuaria em 1964 com os singles "You Are a Wonderful One" (que contou com o trabalho vocal de fundo do grupo The Supremes), "Try It Baby" (que contou com vocais de fundo do grupo The Temptations), "Baby Don't You Do It" e "How Sweet It Is (To Be Loved By You)", que tornou-se sua primeira composição de sucesso. Durante este fase inicial de sucesso, Gaye ainda contribuiu com o grupo Martha and the Vandellas, sendo autor da letra do hit "Dancing in the Street", sucesso naquele mesmo ano. Gaye também conseguiu figurar nas paradas com o álbum Together, um disco de duetos com a cantora Mary Wells. A dupla emplacou os singles "Once Upon a Time" e "What's the Matter With You, Baby?". Como artista solo, Gaye continuou a desfrutar de um grande sucesso e seu LP Moods of Marvin Gaye, de 1966, do qual participou Smokey Robinson, colocou os singles "I'll Be Doggone" e "Ain't That Peculiar" tanto o Top 10 Pop da Billboard quanto no topo - pela primeira vez na carreira do cantor - da parada R&B norte-americana. Com Kim Weston, sua segunda parceria de dueto, foi lançado "It Takes Two", canção que chegou ao Top 20 Pop e ao quarto lugar na lista de R&B da Billboard. Marvin Gaye se estabelecia como um dos principais artistas na era dos duos. Seu sucesso como cantor solo também lhe concedeu o status de ídolo da juventude, assim como ele se tornou um dos artistas prediletos nos principais shows adolescentes - entre os quais, American Coreto, Shindig!,Hullaballoo e The Mike Douglas Show. Ele também se tornou um dos poucos artistas da Motown a se apresentar no Copacabana - e um álbum seu gravado na casa demoraria três décadas para ser lançado.
Uma série dos sucessos de Gaye pela Motown foram duetos com artistas femininas, tais como Mary Wells e Kim Weston. O primeiro LP do cantor a aparecer nas listas da Billboard foi o Together, de 1964, disco de duetos com Wells. No entanto, a parceira mais popular e memorável de Marvin foi Tammi Terrell. Gaye e Terrell tinham um bom relacionamento e o álbum de estréia da dupla, United, lançado em 1967, gerou uma série de sucessos, como "Ain't No Mountain High Enough", "Your Precious Love", "If I Could Build My Whole World Around You" e "If This World Were Mine".
A dupla de compositores Nickolas Ashford e Valerie Simpson, que eram também casados, forneceu as letras e a produção para as gravações de Gaye/Terrell. Enquanto Gaye e Terrell não formavam um casal de namorados - embora rumores persistam de que eles podem ter tido um caso anteriormente -, eles atuavam como verdadeiros amantes nas gravações. De fato, Gaye às vezes declarava que pela duração das canções ele estava apaixonado por ela. Mas ainda naquele ano, o sucesso da parceria foi tragicamente encurtado. Em 14 de outubro, Terrell desmaiou nos braços de Gaye, enquanto eles se apresentavam no Hampton Institute (hoje Hampton Universit), em Hampton, Virginia. Era o primeiro sintoma de um tumor cerebral, diagnosticado em exames realizados posteriormente, e que continuaria a debilitar a saúde de Tammi.
A Motown decidiu tentar e continuar as gravações da dupla Gaye/Terrell. Em 1968, a gravadora lançou You're All I Need, o segundo LP da dupla, que se destacou pelos sucessos de "Ain't Nothing Like the Real Thing" e "You're All I Need to Get By". No ano seguinte foi lançado Easy, o último álbum da dupla. A deterioração da saúde de Terrell a impediu de concluir as gravações de estúdio e a maior parte dos vocais femininos teriam sido gravados por Valerie Simpson. Duas faixas do LP eram canções arquivadas da carreira solo de Terrell e foram mixadas com a voz de Gaye.
A doença de Tammi Terrell deixou Gaye em profunda depressão; quando sua canção "I Heard It Through the Grapevine" (inicialmente gravada em 1967 por Gladys Knight & The Pips) chegou ao primeiro lugar da principal lista da Billboard - além de ter também sido o single mais vendido da história da Motown, com quatro milhões de cópias -, ele se recusou a reconhecer seu sucesso, sentindo que ele era imerecido. O trabalho com o produtor Norman Whitfield, que havia produzido "Grapevine", resultou em outros dois sucessos similares: "Too Busy Thinking About My Baby" e "That's the Way Love Is". Entretanto, o casamento de Gaye estava ruindo e ele continuava a sentir que seu trabalho artístico era completamente irrelevante. Frente às transformações sociais que chacoalhavam os Estados Unidos naquele período.
Ao mesmo tempo que Marvin cantava interminavelmente sobre o amor, a música popular norte-americana passava por uma grande revolução, abordando em suas letras as questões sociais e políticas daqueles anos. Desejando ter independência criativa, Marvin foi liberado pela Motown para produzir as gravações de estúdio das bandas The Originals, cujo resultado apareceu nos hits "Baby I'm For Real" e "The Bells".
Em 16 de março de 1970, Tammi Terrell morreu em decorrência do tumor cerebral e deixou Marvin devastado. Durante o funeral da parceira, Marvin estava tão sensível que ele conversava com o corpo de Tammi como que esperando por uma resposta dela. Imediatamente, Gaye mergulhou em um auto-isolamento e ficou sem se apresentar ao vivo por quase dois anos. Gaye contou a amigos que havia pensado em deixar a carreira musical, à ponto até de tentar ingressar no futebol americano e jogar no Detroit Lions (onde ele encontrou os colegas Mel Farr e Lem Barney), mas depois de seu sucesso produzindo os Originals, Gaye estava confiante em criar sua própria gravadora. Como resultado disso, ele entrou nos estúdios em 1 de junho de 1970 para gravar as canções "What's Going On", "God is Love", "Sad Tomorrows" - uma versão inicial da canção "Flying High (In the Friendly Sky)". Gaye queria lançar "What's Going On" como single, mas Berry Gordy recusou-se, alegando que a canção não era viável comercialmente. Gaye recusou-se a gravar qualquer outra canção até que o presidente da Motown cedesse, o que ocorreria em janeiro de 1971. O sucesso do single surpreendeu Gordy, que requisitou um álbum com canções similares.
O álbum What's Going On tornou-se um dos mais importantes da carreira de Gaye e é até hoje seu trabalho mais conhecido. Tanto em termos de som (influenciada pelo funk e pelo jazz) e de conteúdo das letras (fortemente espiritual), o álbum representou uma aproximação com seus trabalhos iniciais na Motown. Além da faixa-título, "Mercy Mercy Me" e "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)" atingiram o Top 10 Pop Hits e o primeiro lugar da lista R&B da Billboard. Considerado como um dos mais notáveis discos da história da soul music norte-americana, o álbum conceitual de Gaye foi um divisor de águas para esse gênero musical. Ele já foi chamado de "a mais importante e apaixonada gravação já lançada da música soul, entregue por uma de suas melhores vozes".
Com o sucesso do álbum What's Going On, a Motown renegociou um novo contrato com Marvin que permitiu a ele o controle artístico de seu trabalho, no valor de US$1 milhão, fazendo do cantor o mais bem pago artista negro da história da música. Além disso, Gaye ajudou a libertar o trabalho criativo de outros artistas da Motown, entre os quais Stevie Wonder. Ainda naquela época, Marvin mudou-se de Detroit para Los Angeles em 1972 após receber uma proposta para escrever a trilha-sonora para um filme blaxploitation. Escrevendo as letras, criando os arranjos e produzindo o LP para o filme Trouble Man, Marvin lançou o álbum e a canção homônimas, que atingiram o Top 10 Pop da Billboard em 1973. Depois de passar por um período complicado quanto aos rumos de sua carreira, Marvin decidiu mudar o conceito lírico das composições. O LP Let’s Get it On trazia uma temática menos social e mais pessoal da vida de Marvin. Conflitos com o pai, dúvidas existenciais e questões sobre a vida particular do compositor fazem parte do álbum. O LP foi um dos trabalhos mais bem sucedidos de sua carreira e o seu maior sucesso de vendas, superando What's Going On. A faixa-título chegou ao topo da parada pop da Billboard e bateu o recorde de vendagens da Motown, que pertencia ao próprio Marvin com "I Heard It Through the Grapevine". Outros destaques do LP foram as canções "Come Get to This", "You Sure Love to Ball" e "Distant Lover".
Gaye começou a trabalhar naquele que seria seu último álbum dueto, desta vez com Diana Ross. O projeto do LP Diana & Marvin teve início em 1972, mas houve atrasos no andamento do álbum. Com Diana grávida pela segunda vez, Gaye recusava-se a cantar se ele não pudesse fumar no estúdio. Então, os dois realizaram as gravações em dias separados. Lançado no segundo semestre de 1973, o álbum rendeu vários sucessos, entre os quais "You're a Special Part of Me", "My Mistake (Was to Love You)" e as versões para "You Are Everything" e "Stop, Look, Listen (To Your Heart)", ambas hits do grupo The Stylistics.
Em 1975, Gaye começou a pensar em seu próximo disco solo, mas o divórcio com Anna Gordy tomou boa parte do seu tempo. O fim do casamento levou Gaye a várias audiências nos tribunais. O disco I Want You foi finalizado somente no ano seguinte. O álbum levou a faixa-título I Want You ao topo da parada R&B da Billboard.

Em 1977, a Motown lançou o single de "Got to Give It Up", que se tornou primeiro lugar nas lista Pop, R&B e Dance da Billboard, e o LP ao vivo Live at the London Palladium, álbum que vendeu em torno de duas milhões de cópias - se tornando um dos mais vendidos daquele ano. No ano seguinte, finalmente Gaye consegue se divorciar de sua primeira esposa Anna. Como resultado do acordo judicial, Gaye foi ordenado a pagar pensão alimentícia - ele concordou em ceder parte de seu salário e das vendas do seu álbum seguinte para pagar essa pensão. O resultado foi o LP duplo Here, My Dear, que explorou o relacionamento do casal em detalhes tão íntimos que quase levou Anna a processá-lo por invasão de privacidade, mas ela desistiu dessa decisão. O LP fracassou nas listas de sucesso e Gaye se esforçou para vender o disco. Em 1979, Gaye se casou pela segunda vez, agora com Janis Hunter, com quem teve dois filhos, Frankie e Nona), e começou a trabalhar em um novo álbum, Lover Man. Mas o projeto foi abortado depois do fracasso do single "Ego Tripping Out". Reclamando de problemas com impostos e de vício em drogas, Gaye pediu falência e se mudou para o Hawaii, onde ele vivia em um furgão.
Em 1980, ele assinou com o promotor britânico Jeffrey Kruger para realizar concertos no Reino Unido. Mas Gaye não conseguiu chegar em tempo ao palco. Quando ele chegou, todos já haviam deixado o concerto. Em Londres, Marvin trabalhou no LP In Our Lifetime?, uma complexa e profunda gravação pessoal. Quando a Motown lançou o disco em 1981, Gaye ficou lívido: ele acusou a gravadora de editar e remixar o álbum sem seu consentimento, lançando uma canção inacabada, "Far Cry", alterando a arte do LP que ele requisitara e removendo o ponto de interrogação do título (dessa forma, alterando sua conotação irônica).
Depois de oferecida uma nova chance em Ostend, Bélgica, Marvin mudou-se para lá ainda em 1981. Ainda perturbado pela decisão precipitada da Motown em lançar In Our Lifetime, ele negociou sua saída da gravadora e assinou com a Columbia Records no ano seguinte, onde lançou Midnight Love. O disco incluía o grande sucesso "Sexual Healing", que lhe rendeu seus primeiros dois prêmios Grammy (de Melhor Performance R&B Masculina e Melhor R&B Instrumental), em fevereiro de 1983. Ele também seria indicado aos mesmos prêmios no ano seguinte pelo LP Midnight Love. Também em fevereiro de 1983, Gaye fez uma apresentação memorável no All-Star Game da NBA, interpretando o Hino Nacional dos Estados Unidos. No mês seguinte, ele fez sua última apresentação para seu antigo mentor no concerto Motown 25, apresentando What's Going On. Depois, ele embarcou em uma turnê pelos EUA divulgando seu recente trabalho. Terminada a turnê, em agosto de 1983, ele estava atormentado por problemas de saúde - ele teve acessos de depressão e medo em torno de uma suposta tentativa de lhe tirarem a vida.
Quando a turnê foi encerrada, ele se isolou e se mudou para a casa de seus pais. Ele ameaçou cometer suicídio diversas vezes, depois de numerosas e amargas brigas com seu pai, o pastor evangélico Marvin Pentz Gay Sr. Em 1 de abril de 1984, um dia antes de completar seu 45º aniversário, Marvin foi assassinado com um tiro por seu próprio pai, após uma briga iniciada quando os pais de Gaye discutiam sobre a perda de documentos de negócios. A ironia é que Gaye foi morto por uma arma que ele próprio havia dado de presente para seu pai. Marvin Pentz Sr. foi condenado a seis anos de prisão, após ser declarado culpado por homicídio. A acusação de assassinato foi abandonada após médicos descobrirem que ele estava com um tumor cerebral. Marvin Pentz Sr passou o final de sua vida em um asilo, onde morreria de pneumonia em 1998.
Após alguns lançamentos póstumos, que fortaleceram a memória de Marvin na consciência popular, o cantor foi introduzido ao Rock and Roll Hall of Fame em 1987. Mais tarde, também ao Hollywood's Rock Walk e, em 1990, ganharia uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood.

Fonte: WikiPédia